TEMA 1: EL DOCENTE Y LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA
LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA O LA PERVIVENCIA DE UNA PARADOJA.
Martinez, Elvira y Delgado, Juan, EL PAÍS.(8/3/1983)
Está en la forma de percibir del ser humano que algo sea creativo y artístico al mismo tiempo. Mientras que, por otro lado se pretende aprender lo creativo mediante la imitación y el proceso mecánico.
Según el artículo las causas de esta incongruencia se centran en que lo artístico es infravalorado socialmente, siendo marginado. Esto se debe a que, lo artístico no se considera productivo para el sistema pero igualmente es visto como privilegio únicamente de artistas. Además, existe una infravaloración pedagógica del arte como lenguaje expresivo en comparación con otras áreas.
La escuela limita la expresión individual del alumno a favor de la dependencia e imitación. No se percibe como producto del lenguaje sino como conocimientos, técnicas y destrezas.
De forma añadida, se destaca la falta de preparación de los docentes y la confusión en criterios y conceptos y en su forma de enseñarlos.
Los autores nos destacan la evolución de la educación artística en España, la cual está marcada por:
·Antes de los 70: enseñanza en el trabajo. Consistía únicamente en la reproducción de patrones exteriores adaptándose al nivel del alumno. Trabajos que todavía muchos docentes exigen a pesar de todos los cambios en educación artística, eso sí, ayudados por las fotocopiadoras.
·Década de los 70: libre enseñanza. Gran avance y cambio en el área (metodología, actitudes y contenidos) donde solo lo más progresistas apuestan por la expresión individual, la imaginación y docentes motivados y creando motivación entre los alumnos ayudados de recursos y materiales.
·Década 80 y 90: se forma la “disciplina artística” con sus propios contenidos optando por el nombre de “Artes Plásticas” aunque no dejan de influenciarse modelos de trabajo imitativo e individual.
·Antes de los 70: enseñanza en el trabajo. Consistía únicamente en la reproducción de patrones exteriores adaptándose al nivel del alumno. Trabajos que todavía muchos docentes exigen a pesar de todos los cambios en educación artística, eso sí, ayudados por las fotocopiadoras.
·Década de los 70: libre enseñanza. Gran avance y cambio en el área (metodología, actitudes y contenidos) donde solo lo más progresistas apuestan por la expresión individual, la imaginación y docentes motivados y creando motivación entre los alumnos ayudados de recursos y materiales.·Década 80 y 90: se forma la “disciplina artística” con sus propios contenidos optando por el nombre de “Artes Plásticas” aunque no dejan de influenciarse modelos de trabajo imitativo e individual.
Se habla de darle un uso artístico a la lengua, de desarrollar el lenguaje visual, es el uso del sistema de símbolos con una determinada forma, finalidad y función con el objetivo de expresar y comprender.
Para adquirir y usar el lenguaje visual Juan Delgado y Elvira Martinez en su texto diferencian tres procesos, de interiorización (generar ideas), reflexión y transformación (creatividad) y por último, de expresión.
A pesar de todo siguen existiendo dos modelos, uno limitado a la técnica aplicado con materiales y otro más creativo.
En mi opinión la capacidad de motivar a los alumnos apoyándonos en las nuevas tecnologías (tan atractivas para ellos) y ofrecerles para hacerles valorar es la clave en las aulas. Además es una disciplina que debe extenderse más allá de la clase de educación artística y aprovechar sus contenidos para enriquecernos de nuestro entorno.
EDUCACIÓN ARTÍSTICA: PROPUESTAS PARA LA FORMACIÓN DEL PROFESORADO EN LOS NUEVOS ESTUDIOS DE GRADO
Carmen Alcaide (Universidad de Alcalá)
En este artículo se destaca la escasez de formación de calidad de los futuros docentes lo que repercute en ofrecer una enseñanza óptima a los alumnos. Es necesaria una formación pedagógica además de los contenidos de rigor, especialización y posibilidad de profundización.
El poco valor socialmente a esta asignatura y la insuficiente formación del profesorado repercute en sus objetivos de aula y en lo que se pretende formar en educación artística, lo cual se ve influenciado por sus pocas horas en el currículo.
Con el reciente cambio de adaptación al Espacio Europeo de Educación Superior se habla de las opciones de crear en esta área nuevos Planes de Estudio que respondan a las necesidades académicas y laborales, ofreciendo mayores posibilidades de acceso y de formación con el fin de favorecer el desarrollo artístico, pedagógico y de investigación. Entre otros grados de especialización y Posgrado, estaría la titulación en Educación Artística: Plástica y Música.
Aplicación en el aula:
Este texto muestra la realidad de nuestras aulas y una vez más se insiste en la necesidad de formación del profesorado, ya sea en contenidos pedagógicos y los propios de la materia, así como saber llegar a la práctica real y saber adaptarse a la sociedad actual. Estoy totalmente de acuerdo en la necesidad de una formación integral e interdisciplinar que posibilite a los alumnos de hoy y futuros docente la posibilidad de especialización y profundización real.
Entre los elementos a destacar para que para que algo sea bello, se habla de proporción y esta implica números, es decir, cualquier obra tiene detrás una explicación y una aritmética, además de tener relación siempre con la naturaleza y la materia que rodea. También la necesidad de armonía, claridad y equilibrio entre las partes, así como su simetría son esenciales para alcanzar la perfección de una obra de la época. Incluso lo aparentemente feo tienen armonía en su creación que les hace tener belleza.
Entre los elementos a destacar para que para que algo sea bello, se habla de proporción y esta implica números, es decir, cualquier obra tiene detrás una explicación y una aritmética, además de tener relación siempre con la naturaleza y la materia que rodea. También la necesidad de armonía, claridad y equilibrio entre las partes, así como su simetría son esenciales para alcanzar la perfección de una obra de la época. Incluso lo aparentemente feo tienen armonía en su creación que les hace tener belleza.
TEMA 2: LA APRECIACIÓN PLÁSTICA DE ESTILOS ARTÍSTICOS. LA NECESIDAD DE JUICIOS CRÍTICOS
”EL ARTE Y LOS ARTISTAS”, Gombrich, E. Introducción a La Historia del Arte, pp.15-37
El texto comienza recordando la inexistencia del Arte y si de los artistas. A través de su lectura interpretamos que el arte tiene infinitos significados y que hay una parte esencial que es el valor subjetivo por parte del observador, puesto que los gustos y los criterios sobre la belleza son muy variables. A menudo, esta valoración al contemplar una obra depende de la comprensión de la misma y de su cercanía a la realidad que vivimos.
Igualmente se exige que el artista dibuje con corrección y si no lo hace debe tener motivos para ello, ya que su intención puede ser ella misma, una obra alterada y cambiada. Criticamos entonces, si no es como esperamos que sea sin saber lo que se pretendía y como se hizo.
El artista tiene un don de dedicación y esmero y persigue el equilibrio y la armonía entre lo que crea, ve mucho más allá basándose ya no en leyes sino en su propia intuición, de ahí es de donde sale el artista.
El texto alude al peligro de los que buscan entre lo que no saben y comparan.
Me parece un texto interesante ya que acerca, en cierta forma, el Arte a los que desconocemos más sobre la temática, nos ayuda a entenderlo un poco más. La subjetividad es un elemento importante que debemos transmitir a los alumnos pero también la intención y dedicación de los artistas, sería apropiado presentar distintas obras a los alumnos para que puedan observar, valorarlas y opinar sobre ellas e igual forma intentar crear ellos su propias láminas para ser criticados de forma respetuosa por los demás.
LA BELLEZA COMO PROPORCIÓN Y ARMONÍA, Capítulo III
En este texto el autor hace un recorrido a través del tiempo atendiendo a lo que es considerado “belleza” dependiendo de la época y su situación geográfica. Con los siglos los cánones y las reglas han ido evolucionando y modificándose.
Destacamos la variedad de elementos que hacen considerar una obra bella y llena de valor, ya sea escultura, pintura, construcción arquitectónica… podríamos decir que siempre existe un significado que representa dicha forma de ver las cosas.
Entre los elementos a destacar para que para que algo sea bello, se habla de proporción y esta implica números, es decir, cualquier obra tiene detrás una explicación y una aritmética, además de tener relación siempre con la naturaleza y la materia que rodea. También la necesidad de armonía, claridad y equilibrio entre las partes, así como su simetría son esenciales para alcanzar la perfección de una obra de la época. Incluso lo aparentemente feo tienen armonía en su creación que les hace tener belleza.
Aplicación en el aula:
Es curioso observar variedad de obras cuando conocemos algunos rasgos que nos ayudan a interpretar lo que vemos y saber más de lo que el autor quiso expresar con su creación. Este aspecto me parece importante trasladarlo a los alumnos para que puedan conocer grandes rasgos e identificar elementos de un trabajo artístico. Profundizar en arquitectura que ellos mismo han podido conocer para que les sea más cercano o en pintura representativa sería una forma de motivarles y crear inquietudes referentes a la materia.
Es el ojo quien crea las imágenes del exterior haciendo visible la realidad y de ahí que podamos percibirla atendiendo a nuestros conocimientos y sabidurías, y nuestras ideas previas. Existen desde hace mucho numerosos aparatos que nos acercan a miles de imágenes aunque esto permite al mismo tiempo, cambiar el significado de lo que realmente existe. Berger en su programa de televisión de los años setenta “Modos de ver” aludía a la posibilidad de las cámaras de reproducir las artes y su capacidad para influenciar en la percepción del espectador, perdiéndose posiblemente la autenticidad de lo que vemos. No es necesario un sonido para escuchar y sentir obras cuando están viéndose, la vista es el sentido clave para la entrada de información, pero cuando miramos irremediablemente se cruza nuestra subjetividad, percibiendo una imagen que da lugar a las perspectivas y diferentes significados de una misma imagen.
Para complementar podríamos añadir una imagen en las que se puede percibir dos figuras en la misma aludiendo a la forma de ver de cada uno y la diferencia que puede existir ante la observación de una misma obra.
El arte, por tanto, transmite cultura, es una forma de expresión que el resto debemos percibir constructivamente y que desde la educación debemos ofrecer para hacer crecer al alumno bajo un aprendizaje significativo y experiencial. Relaciona la realidad con las obras humanas y con la naturaleza.
Cuando hablamos de creatividad, el concepto ha tenido una larga evolución, podríamos concluir que con él aludimos a la genialidad y la expresión novedosa y sorprendente de lo trabajado ya sea mediante la combinación de lo conocido o lo totalmente desconocido.
Es curioso observar variedad de obras cuando conocemos algunos rasgos que nos ayudan a interpretar lo que vemos y saber más de lo que el autor quiso expresar con su creación. Este aspecto me parece importante trasladarlo a los alumnos para que puedan conocer grandes rasgos e identificar elementos de un trabajo artístico. Profundizar en arquitectura que ellos mismo han podido conocer para que les sea más cercano o en pintura representativa sería una forma de motivarles y crear inquietudes referentes a la materia.
LÁMINAS CON LA TÉCNICA DEL PAPEL RASGADO
FIGURA SIMPLE
Usando materiales sencillos como papel de seda o folios de colores y pegamento hemos podido elaborar una lámina sencilla de un barco sobre el mar y una isla con una palmera. A partir de fragmentos de papel y con ayuda de un rotulador hemos dado color a esta lámina. Los trozos son grandes y la forma de córtalos puede ser variada ya que el mar, la isla, las nubes...son elementos que no tienen una forma definida concreta, este detalle facilita la tarea para elaborarlo con niños más pequeños.
FIGURAS MÁS COMPLEJAS
En las siguientes láminas hemos rasgado papel de diferentes colores intentando formar dibujos más elaborados, al ser más pequeños y con un contorno más concreto resulta más difícil ya que se necesita más precisión al rasgar.
EXPRESIONES
Con ayuda de papeles rasgados y de un rotulador hemos dado forma de niños a estos trocitos de papel. Claramente se puede ver las diferentes expresiones en el rostro que muestra cada alumno/a y su maestra, contento, triste, enfadado, sorprendido...con el cambio de una sola línea de la boca o con la dirección en la que dibujemos las cejas podemos cambiar totalmente la expresión de una cara.
REPRESENTACIÓN DE UN CUADRO
En la siguiente lámina hemos representado un cuadro a través de la técnica de papel rasgado. Aunque aparentemente parece una obra sencilla me ha resultado muy difícil darle forma al rostro y a la figura humana en general.
Obra de Pablo Picasso
TÉCNICAS DE AMPLIACIÓN A PARTIR DE UNA CUADRÍCULA
En la siguiente lámina hemos dibujado a un bebe a gran tamaño a partir del mismo en tamaño pequeño, para poder orientarnos y ampliar el dibujo nos hemos basado en una cuadrícula que después hemos borrado.
La imagen del bebe ha sido enmarcada dentro de un cuadrado grande divididos a su vez en tres iguales horizontales y tres verticales. A partir de ellos, fijándonos en cada uno de los cuadros hemos ido dibujando todos los rasgos de este bonito cuadro.
TEMA 3: MODOS DE VER BERGER, J.
EULÁLIA BOSCH
EULÁLIA BOSCH
Es el ojo quien crea las imágenes del exterior haciendo visible la realidad y de ahí que podamos percibirla atendiendo a nuestros conocimientos y sabidurías, y nuestras ideas previas. Existen desde hace mucho numerosos aparatos que nos acercan a miles de imágenes aunque esto permite al mismo tiempo, cambiar el significado de lo que realmente existe. Berger en su programa de televisión de los años setenta “Modos de ver” aludía a la posibilidad de las cámaras de reproducir las artes y su capacidad para influenciar en la percepción del espectador, perdiéndose posiblemente la autenticidad de lo que vemos. No es necesario un sonido para escuchar y sentir obras cuando están viéndose, la vista es el sentido clave para la entrada de información, pero cuando miramos irremediablemente se cruza nuestra subjetividad, percibiendo una imagen que da lugar a las perspectivas y diferentes significados de una misma imagen.
Aplicación en el aula:
Este texto hace reflexionar sobre la importancia de lo que percibimos a través de nuestros ojos y de lo que posiblemente puede estar percibiendo otra persona. Nos acerca a la posibilidades de interpretación de una misma obra, teniendo en cuenta además los conocimientos y el estado de la persona que lo observa. Nos hace entender que ante una obra no solo los aspectos objetivos tienen valor (el color, el tamaño…) sino que también se transmiten unos sentimientos y un valor.
En cuanto a las actividades en el aula, me parece interesante que los propios alumnos toquen con los ojos cerrados algún objeto y lo describan con sus palabras, no solo lo que notan sino lo que sienten, observando la diferencia entre ellos.
Para complementar podríamos añadir una imagen en las que se puede percibir dos figuras en la misma aludiendo a la forma de ver de cada uno y la diferencia que puede existir ante la observación de una misma obra.
Un ejemplo puede ser el siguiente donde podemos observar una mujer anciana o una mujer joven.
ADJETIVOS (OBJETO ANIMADO -OBJETO INANIMADO)
A continuación se muestra la realización de unas imágenes basándose en seis adjetivos, en este caso hemos elegido árboles y búhos. De forma paralela se han representado en seis maneras distintas según los adjetivos: seco, frondoso, alto, pequeño, caído/roto y apagado.
TÉCNICA DE AMPLIACIÓN DE UN DIBUJO SIN CUADRÍCULA
El siguiente dibujo realizado en el bloc es una ampliación sin usar cuadrícula. Nos hemos basado en los pasos que nos ofrece el ejemplos dado y no ha resultado muy difícil.
Hemos elegido el dibujo de el león y lo hemos repasado de rotulador naranja y marrón para darle un poco de vida.
TEMA 4: ARTE, EDUCACIÓN Y CREATIVIDAD
JUAN CARLOS ARAÑÓ GISBERT. Universidad de Sevilla. Revista pixel-Bit. Número 2. Junio 1994
Hablamos de cultura para referirnos a un conjunto de significados y formas simbólicas y comportamientos de un grupo social, entendemos que cualquier obra está ligada a una cultura, ya que estas son realizadas dentro de una cultura, de unas condiciones históricas y sociales, dentro de una estructura.
El arte, por tanto, transmite cultura, es una forma de expresión que el resto debemos percibir constructivamente y que desde la educación debemos ofrecer para hacer crecer al alumno bajo un aprendizaje significativo y experiencial. Relaciona la realidad con las obras humanas y con la naturaleza.
La definición de Educación Artística en la enseñanza difícil de delimitar, además de existir numerosas expresiones en educación a las que también hacen referencia (plástica….) esta área puede incorporar contenidos sobre arte y otros con intención más profesional (fotografía, diseño…).
El Arte puede entenderse desde distintos puntos de vista según el ámbito en el que se aplique, en educación se llama en función de los contenidos que se realicen.
Cuando hablamos de creatividad, el concepto ha tenido una larga evolución, podríamos concluir que con él aludimos a la genialidad y la expresión novedosa y sorprendente de lo trabajado ya sea mediante la combinación de lo conocido o lo totalmente desconocido.
Para trabajar en el aula propondremos al alumnado que expreses emociones a través de una lámina con los materiales que deseen, la libertad de recursos y la dificultad para plasmar algo tan abstracto como los sentimientos exigirá a los alumnos cierto grado de originalidad y creatividad, de tal forma que seguramente los resultados serán muy distintos y podremos reflexionar sobre ello.
A modo de actividad en el aula, podríamos proponer a los alumnos que elijan una característica de todas las mencionadas y que intenten representarla a través de una lámina, ya sea la diferenciación de colores, tamaño…de esta forma podemos ver en la práctica cada significado de lo trabajado. Procuraremos que todas las características estén representadas para luego hacer una puesta en común y reflexionar sobre ellas.
TEMA 5
HERRAMIENTAS DEL LENGUAJE VISUAL
El lenguaje visual es lo que permite la comunicación visual, a través de las imágenes los profesionales construyen mensajes que llegan a los espectadores, aunque es difícil concretar esa lectura existen herramientas que ayudan al autor a delimitar en cierta forma su significado y expresión.
Este tema nos estructura dichas herramientas utilizadas que son:
- Herramientas de configuración, donde encontramos
- · La importancia del tamaño de los productos y su relación entre el objeto y la persona observadora.
- · La formas regular (tipo natural) o irregular (tipo artificial).
- · El color ya que pueden ser colores-pigmento que se pueden tocar físicamente (encontrados en la pintura, libros…), y los colores –luz más intangibles (ordenadores, fotografía…).
- · La iluminación intrínseca del propio objeto (representaciones bidimensionales) y la que viene del exterior (productos tridimensionales). Esta iluminación dependerá del tipo que sea (natural o artificial), de la cantidad, temperatura y la orientación hacia donde vaya la luz.
- · Otra herramienta es la textura del soporte del producto o de los materiales, además también existe una textura ficticia cuando parece a primera vista un tipo de material pero es otro).
- · La composición, que se refiere a la ordenación de las herramientas dentro del espacio, podrá ser una composición dinámica (con características asimétricas, incompletas, oblicuas…) o reposada (más constante, rectas, centradas, simétricas...).
- · La retórica visual para conectar los distintos significados de los componentes, se trata de utilizar elementos para transmitir un significado distinto del que corresponde, ya sea sustituyendo, comparando, añadiendo o eliminando elementos.
A modo de actividad en el aula, podríamos proponer a los alumnos que elijan una característica de todas las mencionadas y que intenten representarla a través de una lámina, ya sea la diferenciación de colores, tamaño…de esta forma podemos ver en la práctica cada significado de lo trabajado. Procuraremos que todas las características estén representadas para luego hacer una puesta en común y reflexionar sobre ellas.
También podemos animar a los alumnos a que busquen a través de Internet el significado de uno de estos elementos dentro de un producto. El porqué de un color en una marca o el porqué de ese color de la ropa de determinados políticos o la composición de un cuadro, la textura de un producto. Indagar sobre los conceptos.
No hay comentarios:
Publicar un comentario
¡Deje aquí su comentario!