Mª Belén García González

1 de diciembre de 2013

Ejercicio 3: Lecturas de bibliografía obligatoria 

Tema 1: El docente y la educación artística

1.      La expresión plástica como producto creativo del lenguaje visual.

Juan Delgado Tapias

Resumen: El autor plantea la paradoja entre la consideración del valor creativo de todo lo artístico, y como su enseñanza en las aulas se reduce a “crear” copias, réplicas o imitaciones. Las causas son: su consideración como asignatura de relleno que no cuenta con el apoyo docente necesario y, la falta de educación en el uso del lenguaje plástico-visual  por falta de formación de los profesores y de homogeneidad en su enseñanza.

La asignatura ha evolucionado en nuestro país; antes de los años 70 la Plástica o Dibujo se centraba en trabajos manuales , hacer dibujos o colorear láminas. Durante  los 70 se produce un mínimo cambio auspiciado por profesores que modificando actitudes, métodos y conceptos animan  al desarrollo de la expresión individual de sus alumnos pero, la falta de una preparación adecuada  da como resultado creaciones carentes de motivación ni causa. En los 80 y 90  se propone su conversión a disciplina equiparándola a la lengua pero olvidando el uso artístico del lenguaje visual y su significado.

Mirando al futuro, la creatividad tiene que estar presente en los tres peldaños del lenguaje visual :  interiorización (captación y almacenamiento de información creativa), reflexión y transformación de esa información, y comunicación externa a través de creaciones propias.

Concluye afirmando  que los futuros profesores (estudiantes universitarios) educarán a sus alumnos conforme a dos modelos: uno, el basado en el uso de técnicas plásticas y  utilización de materiales y otro, que persigue enseñar actividades conforme a sus procesos creativos pero que no siempre alcanza esa finalidad creativa.

     Valoración crítica y actuación en el aula

Esta asignatura siempre ha sido considerada como una “maría”, en la que solo destacaban los que dibujaban bien, y que no tenía ninguna consideración, ni mala ni buena, era indiferente para el cómputo de las calificaciones. Creo que es fundamental la figura del profesor que fomente y estimule la espontaneidad, imaginación y creatividad del alumno, que tenga en cuenta las limitaciones y capacidades de cada alumno (la destreza de unos con el lápiz y la de otros con la plastilina, todas deben considerarse formas válidas y valorables artísticamente), y que valore el interés y la participación con la que realizan las actividades.

Otros artículos consultados:

• Acaso, María. La educación artística no son manualidades.Ed. La Catarata, Madrid (2009)
• Videoclip colaborativo realizado por el grupo masartísticas en su lucha por defender la presencia de las enseñanzas artísticas en la educación. Recuperado de youtube http://www.youtube.com/watch?v=qgwFG24sYIY

2.       Educación artística: Propuestas para la formación del profesorado en los nuevos estudios de grado.  

Carmen Alcaide

Resumen: La autora ve  la entrada en el Espacio Europeo de Educación Superior como el momento para  introducir cambios en la formación  estética del profesorado de Educación primaria e infantil incidiendo en una indispensable formación pedagógica.

Apoyada en la contradicción existente entre la exaltación a las obras de arte y la precaria enseñanza artística que se ofrece en nuestras escuelas, pues las horas lectivas que se dedican a la misma son mínimas en comparación con las dedicadas a otras materias, achaca esta deficiencia Alcaide a la formación de los profesores y a la falta de innovación en las escuelas que basan su enseñanza en los modelos propuestos por los libros de texto, sin ahondar más allá.

Propone que la formación del futuro profesorado pueda optar por títulos que les ofrezcan el desarrollo pedagógico y artístico necesario para formarse adecuadamente, aptos para todos aquellos que puedan expresarse artísticamente con independencia de poseer un mayor o menor talento. Los cinco títulos propuestos dedicarían 120 créditos  a la especialidad de Educación Artística, dentro de un Plan de Estudios con asignaturas específicas tanto de Plástica como de Música.

Finaliza afirmando que es fundamental que la educación artística tenga su propio ámbito de investigación y pedagógico, con el consiguiente beneficio para los docentes y la comunidad, y todo ello dentro de la actual  evolución de la imagen  y medios audiovisuales.

          

           Valoración crítica y actuación en el aula

Opino que la profesionalidad del docente en educación artística está infravalorada, pues se piensa que esta materia no aporta casi nada al alumno por lo que se ignora, siendo fundamental que la enseñanza comience en la etapa infantil favoreciendo el desarrollo de la personalidad del niño desde la creatividad, crítica, reflexión e imaginación. El profesorado debe formarse no solo artísticamente, sino también pedagógica e histórico-culturalmente.

En el aula el profesor debe mostrarse receptivo, abierto y flexible ante todas las actividades que realicen sus alumnos mostrándoles no solo el proceso creativo a seguir sino también alentándolos a fundamentar el motivo y la finalidad de sus creaciones.

  

 

Otros artículos consultados:

·   Longueria, S. La educación artística como educación: educación “por” y “para” un arte, principios de intervención desde la pedagogía mesoaxiológica. Recuperado de http://www.cite2011.com/Comunicaciones/Escuela/175.pdf

·         Cáceres, M. La formación pedagógica de los profesores universitarios. Una propuesta en el proceso de profesionalización del docente.Universidad de Cienfuegos, Cuba. Recuperado de http://www.rieoei.org/deloslectores/475Caceres.pdf

8 de diciembre de 2013

Ejercicio 4: Lecturas de bibliografía obligatoria

TEMA 2 : LA APRECIACIÓN PLÁSTICA DE ESTILOS ARTÍSTICOS

1.      Gombrich, E. El arte y los artistas. Introducción a la Historia del arte, pp.15-37.

   Resumen: El autor reflexiona sobre cómo el significado del arte es muy amplio variable en el tiempo, depende del espectador, de los sentimientos que le evoque una obra de arte, del concepto que cada uno tenga de qué es o no belleza, también si transmite todo o deja su significado sin terminar.Normalmente los cuadros que más aceptación tienen son los más realistas, que muestran en sus cuadros una correspondencia casi igual entre el modelo y lo plasmado en las obras. Se rechazan las interpretaciones subjetivas de los autores sin tener en cuenta dos factores: uno, los motivos del autor para ello y dos, que el autor puede no estar equivocado al haber dibujado algo alejándose de la realidad. Es importante que dejemos a un lado los perjuicios y las costumbres, así por ejemplo en los cuadros que reflejan pasajes bíblicos y que pueden resultar irrespetuosos pero que son más reales y sinceros (p.e. Caravaggio).

           El artista centra su preocupación en “si ha acertado”, si la combinación de colores, formas y matices elegida por él sea la más adecuada. Para alcanzarlo no hay una regla exacta, es variable del mismo modo que tampoco existen reglas para juzgar cuando estamos ante una obra maestra, pues el arte es un concepto amplio e ilimitado por lo que no debemos caer en la petulancia o en el conformismo cuando opinemos sobre una obra expresando todo aquello que nos sugiere su visión.

  

     Valoración crítica y actuación en el aula

       La valoración de una obra de arte es una opinión particular, normalmente definida por su fealdad o belleza, por el sentimiento optimista o pesimista que desprende la misma, no existe un concepto generalizado sobre lo que nos debe gustar a unos y a otros, aunque hay obras que son del agrado y valoración de la mayoría. Creo por ello que la variedad de estilos artísticos obedece a las diferentes concepciones que hay sobre qué es una obra de arte.

         En el aula, los maestros deben procurar llevar a cabo estrategias que enseñen a los alumnos a analizar, interpretar y valorar las imágenes, a apreciar los colores y las formas de una obra. Sería conveniente crear debates en clase en los que cada alumno expresara su opinión sobre una obra en concreto, su significado y cómo expresaría la misma idea del autor. Todo ello sin olvidar la importancia de organizar visitas a museos o excursiones donde el alumno pueda  “in situ” apreciar plásticamente la variedad paisajística de su región. 

Otros artículos consultados:

·         Wright, E.(1995).Universidad Nacional Autónoma de México. Recuperado de  http://plasticas.dgenp.unam.mx/inicio/introduccion/elementos_ap

2.      Eco, U. (2004). Historia de la belleza, Lumen. Capítulo III. “La belleza como proporción y armonía, pp.61-98.

Resumen: En la antigüedad la proporción era sinónimo de belleza a la que  Pitágoras añade el orden, y  la tetraktys o series de triángulos equiláteros es considerada como símbolo de igualdad perfecta en la arquitectura medieval y renacentista, evolucionando hacia formas pentagonales en el gótico. Del siglo V al I a.C. la armonía se definirá como equilibrio, proporción correcta o canon, simetría o euritmia o adaptación visual de las proporciones. En la Edad Media la proporción adquiere una significación filosófica, el número es el origen del universo y  el cuatro representa el número del hombre, la perfección moral y estética. Los pitagóricos piensan que alma y cuerpo se rigen por las mismas proporciones que los elementos musicales, que a su vez rigen el cosmos. 

Durante la Edad Media la belleza se concibe como una mezcla de contrastes y proporciones que depende de la naturaleza. La aplicación matemática en la pintura renacentista se refleja en representaciones en perspectiva realzando la belleza y convirtiéndola en real y precisa. Santo Tomás de Aquino argumentaba que la belleza precisa de una  proporción considerada adecuada a un fin y con un valor ético. En suma, el sentido platónico de belleza ideal ha inspirado a artistas del Medievo y renacentistas no así al arte abstracto.

El concepto de proporción y gusto ha cambiado a lo largo de los siglos, al igual que las proporciones musicales han variado adaptándose a nuevas formas de interpretar la música conforme a una adecuación cualitativa más que matemática. Sin embargo, hay quien afirma la existencia de proporción ideal en obras que no guardan una correspondencia matemática, así el equilibrio y armonía del cosmos propio del Renacimiento quedará obsoleto cuando el  mundo empiece a verse como menos ordenado geométricamente.

           Valoración crítica y actuación en el aula

         En mi opinión la belleza es un concepto subjetivo, que es apreciado de forma diferente por unos y por otros. Actualmente es difícil hablar de belleza ideal como algo aceptado unánimemente por todos, como si ocurría en otras épocas, aunque es bello aquello que goza del beneplácito de la mayoría y que se ajusta a los gustos y a las modas vigentes en cada momento. Sin embargo, sí creo que existe un acuerdo en general en considerar la belleza clásica del arte griego como ideal.

        En el aula el profesor debe explicar el concepto proporción basándolo en el entorno del alumno, en el aula, en el mobiliario existente, en la adecuación que guardan entre sí y con los alumnos y, una vez comprendido los alumnos deberán buscar  ejemplos de  proporción presentes en su vida diaria (p.e. pueden empezar con medir las proporciones de su cuerpo).

Otros artículos consultados:

·         Mateo, R. (2012) La belleza y la divina proporción. Instituto Español de Andorra. Recuperado de http://www.educacion.gob.es/exterior/ad/es/publicaciones/Aula_Abierta2_Belleza.pdf

Ejercicio 5: EJERCICIOS CON PAPEL RASGADO

Figuras simples 

Con ayuda de rotuladores de punta gruesa y papeles de diversos colores mi intención ha sido recrear un paisaje compuesto de sol, nubes, lloviznas, hierba, flores y bancos hechos a partir de figuras simples ovaladas, triangulares, rectangulares  y cuadradas.

Figuras más complejas

A partir de figuras simples he realizado dos láminas más complejas, sin utilizar el rotulador  y exentas de fondo en las que he querido reflejado la cultura oriental mediante una geisha, y la cultura popular de nuestro país representando un nacimiento navideño.

Expresiones

                      Por medio de frutas y con ayuda de rotuladores he reflejado diversas expresiones de ánimo:  

                      tristeza, desconcierto, alegría, amor, enfado,etc.

           

              Versión de un cuadro

                             Versión del cuadro de Wassily Kandinsky, Óvalo rojo (1920).

                       Kandisnsky fue un pintor ruso considerado por muchos como el maestro de la abstracción  absoluta. La intención del autor es que el 

                      espectador centre su atención en el óvalo rojo.

TEMA 3: PERCEPCIÓN, EXPRESIÓN Y COMUNICACIÓN.

   Berger, J.(2010).Modos de ver. Gustavo Gil, Barcelona. CAPÍTULO I.

Resumen: En la serie de televisión Modos de ver Berger quiso transmitir cómo cualquier medio de reproducción puede desvirtuar el significado de una obra de arte, y cómo puede privar al espectador de su propia percepción ante la misma.

La vista es el sentido por el que conocemos lo que nos rodea, pero el conocimiento o el saber también interfieren en la forma de ver algo, por lo que cada imagen representa un particular modo de ver, y al igual que nosotros vemos algo o a alguien también nosotros somos vistos. Las imágenes surgieron como un modo de ver algo que ya no estaba, para que fuera recordado (un monumento, un retrato), con carácter testimonial. Sin embargo, se tendía a mistificar el arte del pasado, impidiendo ver la realidad de ese tiempo con una perspectiva de las obras que consideraba al espectador como pieza central y atemporal, pero esta afirmación cambió con la invención de la cámara cinematográfica y supuso una nueva forma de ver tanto de los autores como de los espectadores.

Los cuadros dejan de ser vistos como únicos del lugar en el que están expuestos, la cámara hace que los espectadores puedan percibir otros significados de las obras de arte, pero sin olvidar el sentido único de autenticidad de la obra original  que la diferencia de cualquier reproducción. La reproducción de una obra supone que se destinará a usos o fines distintos al que se creó por su autor original, y no tendrá el efecto de acercarnos en el tiempo al momento en que se pintó un cuadro. La autoridad de las obras de arte ha desaparecido por el uso banal y masivo de las reproducciones, por el deseo de que el arte llegue a todos y no solo a unos pocos privilegiados. 

Valoración crítica y actuación en el aula

En mi opinión el modo de ver difiere en cada persona, al igual que hay diferentes gustos existen diferentes formas de ver o contemplar, que no deben ser influenciados por lo que otros piensen o manifiesten pues cada uno debe de dar sentido y significado a lo que ve.

En el aula presentaría a los alumnos un cuadro original en su ubicación (normalmente un museo), y luego la reproducción de ese cuadro como reclamo publicitario (en una valla publicitaria). Seguiría un debate con la participación de toda la clase sobre las diferencias y semejanzas entre uno y otra.

     
    Otros artículos consultados:

•   Álvarez, L. (s.f.) Imagen y percepción.Wiki Plástica. Recuperado de  http://educacionplasticayvisual.wikispaces.com/IMAGEN+Y+PERCEPCI%C3%93N

Álvarez, L. (2012). Percepción visual. Las Tic en Plástica. Recuperado de   http://blog.educastur.es/luciaag/2010/10/01/la-percepcion-visual/

TEMA 4: LA PERSONALIDAD CREATIVIDAD

  Araño Gisbert, J.C.(1994)."Arte, educación y creatividad", Pixel-Bit: Revista de medios y educación, número 2.

Resumen: El autor expresa la dificultad de definir el  arte y la creatividad aunque afirma que son términos dependientes de la cultura, concebida como el conjunto de características y comportamientos propios de un grupo social o étnico. De este modo las producciones artísticas están ligadas a una visión de la cultura como estructura que posibilita la comprensión de los hechos  históricos y sociales en los que surgen. El arte puede entenderse como un  fenómeno cultural que afecta a todos o como un modo de transmisión cultural y de expresión del artista que pretende llegue a todos.

  Definir el área de Educación Artística en enseñanza es tarea ardua pues puede incluir no sólo todos los contenidos relacionados con el arte sino también otros más técnicos o profesionales como el diseño o la fotografía, esto es, admite una definición general y/o particular. El profesor de esta materia debe concebir el arte como una actividad del alumno fruto de la observación, reproducción y manipulación mediante la que expresa sus sentimientos y le acerca a su cultura. La educación artística debe tener componentes comprensivos y formar parte del conocimiento general que poseen todas las personas.

  Antiguamente se concebía el arte como verdad, como expresión real de lo contemplado sin incluir o excluir nada que no estuviera en lo que se observaba, y conforme a unos cánones preestablecidos,  por lo que se negaba la relación arte-creatividad. Es en el siglo XVI cuando surge la palabra genio para designar a artistas que producen con más libertad, en el XIX el artista se convierte en creador y el siglo XX designa como creador tanto a los artistas como a todas las personas que son capaces de producir algo.

    Siguiendo esta concepción amplia del término creatividad, la novedad sería el elemento diferenciador, existiendo diferentes tipos según su forma, modelo, origen, etc. Sin duda, la creatividad es el resultado de la capacidad innovadora de producción del hombre.

     Machinnon distinguía entre la creatividad directa e indirecta del autor,Guilford consideraba como una dimensión de la inteligencia (del pensamiento divergente) a la creatividad, y Eisner veía la forma y contenido de una obra como identificadores de la creatividad, distinguiendo la conducta creadora que no acepta límites, que los supera, la inventiva y la organizadora estética. 

Valoración crítica y actuación en el aula

Es cierto  que lo novedoso es sinónimo de creativo puesto que supone hacer algo nuevo, que no existía antes. Sin embargo, lo innovador no debe confundirse con el arte, pues quizás se considere artístico más por intereses comerciales, publicitarios  o de moda vigentes en ese momento pero no desde el punto de vista de un crítico de arte. Así, por ejemplo algunas de las tendencias artísticas que surgieron a partir de la segunda mitad del siglo XX se autocalifican de innovadoras cuando sus obras, carentes de contenido y elaboración en sus formas, no tienen autenticidad ni creatividad, y lo único que revelan que todo puede ser arte, y que cualquiera puede ser artista.

En el aula y a propósito de la Navidad, propondría a los alumnos que utilizando arcilla modelasen figuras u objetos que ellos identificasen con esta época del año, y después explicasen el por qué de su creación.

Otros artículos consultados:

        -Flores, V. y Friederichsen,B.(9-2-2013). El arte estimula la creatividad y la madurez en niños y adolescentes. La opinión. Recuperado                     de http://www.laopinion.com/ContigoFamilia/article/20130902/El-arte-estimula-la-creatividad-y-la-madurez-en-ninos-y-adolescentes

TÉCNICAS DE AMPLIACIÓN:CUADRÍCULA

Siguiendo los pasos 1,2, y 3 del documento 023 he dividido la hoja en cuadriculas (3X3) de 9 cm, y he trazado el contorno y partes de la gallina, luego lo he repasado con rotulador, coloreado y borrado las marcas hechas con lápiz.

Pasos 1,2 y 3

Paso 4

TEMA 5. LENGUAJE PLÁSTICO Y VISUAL: CONCEPTOS BÁSICOS

Acaso, M. (2006) El lenguaje visual, Barcelona: Paidós, pp. 49-103

Resumen: El lenguaje visual se sirve de herramientas de configuración (significantes y significados de los mensajes) y de organización (organizan, ordenan y jerarquizan).

Las de configuración son:

1.    El tamaño. Se elegirá conforme a los siguientes criterios: a) el efecto psicológico que produce la representación visual en el espectador, b) de notoriedad (imagen de gran tamaño), y c) de comodidad (tamaño predeterminado, el autor no elige).

2.    La forma. Puede ser orgánica o natural (irregulares, ondulantes) y artificiales (regulares y rectas). A través de la forma se puede trabajar desde tres niveles:

-La forma del producto visual como objeto o formato que dependerá de la adaptación a un soporte determinado, al sentido de la lectura (dependerá del país), y el contenido simbólico que se quiera transmitir (forma redonda de las señales de tráfico).

  -La forma del contenido del producto visual.

  -La forma del espacio que alberga el producto visual (instalaciones o espacio comercial).                                                                                                                                                                                             

3.    El color. Hay dos tipos: colores-pigmento (se pueden tocar, son los que utilizan los pintores) y los colores-luz (no se pueden tocar, son los de un ordenador).Posee tres características, luminosidad(cantidad de luz que posee), saturación (nivel de pureza en relación con el color gris) y temperatura(sensación corporal que transmite).Para seleccionar el color se atiende a: su contenido simbólico(el más utilizado, en función del público a quien vaya dirigido), calendario comercial(las modas), contraste visual(identificación), identificación de la marca y con el público-objetivo (al tipo de público al que va dirigido).

4.  La iluminación. Dependerá del contenido intrínseco o exterior del objeto. Para seleccionarla será determinante: a) la fuente de luz, b) la cantidad, c) la temperatura, y d) la orientación.

5.  La textura. Referida al soporte y a los materiales que se aplican sobre él. Hay tres tipos: la real (información visual y táctil coinciden), la simulada (no coinciden), y la ficticia (p.e.objetos hechos de madera, que no es tal); lo importante es la capacidad de transmitir independientemente del tipo de textura.

Las de organización:

1.    La composición u ordenación (reposada o dinámica) de las herramientas de una imagen para transmitir un significado.

2.    La retórica visual, que sirve para conectar los diferentes significados que encierra una imagen. Las figuras retóricas son:

-La metáfora (sustitución de un elemento por otro), alegoría (varias metáforas) y metonimia (existe contigüidad en la sustitución).

-El calambur (engaño visual) y la personificación (objetos o animales con caracteres animados o humanos).

-La oposición, paralelismo y gradación (o comparaciones).

-La repetición de algún elemento.

-La epanadiplosis.

-La hipérbole o exageración de algún elemento.

-El préstamo de algo de otro autor.

-La elipsis o eliminación de algún elemento.

Todas estas herramientas podrán ser usadas o no por los autores, pero es importante conocerlas para comprender el lenguaje visual.

Valoración crítica y actuación en el aula

Es innegable que la comunicación visual está presente en todo lo que nos rodea, en nuestra vida diaria, y esta comunicación utiliza el lenguaje visual por lo que debemos conocer las herramientas que utiliza para así interpretarlo, y poder comprender mejor el significado del mensaje que toda imagen quiere transmitir.

En el aula se realizarán actividades con anuncios publicitarios conocidos por los alumnos con la finalidad de que comprendan cómo determinados colores y formas se asocian automáticamente con una marca concreta. Además se pedirá que dibujen los colores que ellos identifican con  estados de ánimo.

Otros artículos consultados

-Herramientas del lenguaje visual. (s.f.) Unir. Recuperado de                                       http://campus.unir.net/cursos/lecciones/ARCHIVOS_COMUNES/versiones_para_imprimir/GChti/TEMA2.pdf

Tema 6: ANÁLISIS DEL DESARROLLO DEL DIBUJO ESPONTÁNEO EN LOS NIÑOS/NIÑAS

Lowenfeld, V y Lambert, B. (2008) Desarrollo de la capacidad intelectual y creativa. Madrid, Síntesis. Capítulo 8: La conquista de un concepto de la forma, pp.289-338

Resumen: Los niños alrededor de los 7 años pueden hacer un dibujo (p.e., un coche) que es el   símbolo o esquema de su  representación  mental de esa imagen. La representación de la figura humana tiene carácter individualizado, depende de muchos factores, y utilizará formas geométricas. El esquema espacial lo representan dibujando una línea básica, por lo que todo lo que tenga una relación de espacio común se dibujará en ella. La línea básica la identifican normalmente con el suelo, y aunque dibujen más de una, será siempre referida a la línea básica.

Los niños también pueden representar el espacio como resultado directo de sus experiencias subjetivas, utilizando el plegado (dibujos de objetos boca abajo), el círculo o la planta y el alzado. O realizar representaciones en rayos X mostrando el interior o exterior de un lugar. Para contar historias, dibujarán imágenes independientes en uno o varios espacios y tiempos.

El esquema de un niño irá variando, y de forma inconsciente podrá dibujar exagerando partes importantes, omitiendo  partes no importantes o cambiando  símbolos para partes relevantes. Formará un esquema individual del color, motivado por  un concepto visual o emocional, y comprenderá que existe un color determinado para cada objeto, y dibujará espontáneamente ajeno al concepto de belleza.

En primaria, el niño deja de ser egocéntrico y empieza a verse como parte del medio relacionándose con los demás. Este desarrollo del esquema ha sido interpretado por algunos autores como un factor importante para el progreso en la lectura, pero no hay consenso en apoyar esta afirmación. En un aula hay niños muy diferentes que dibujarán un mismo objeto de forma distinta, como resultado del desarrollo intelectual, perceptivo y emocional de cada niño; el arte debe motivarlos a que expresen sus emociones de forma controlada, no libremente.

El profesor debe motivar a sus alumnos, incitarlos a que expongan sus sugerencias y se involucren activamente en actividades artísticas. Sin embargo, la elección de un tema determinado para trabajar en el aula no será siempre igual de excitante o atractivo para todos los alumnos. No deberá obligar a sus alumnos a que trabajen con muchos materiales, y no corregirles cuando no empleen las técnicas adecuadas, y teniendo en cuenta que la importancia de que el niño exprese artísticamente su experiencia.

Valoración crítica y actuación en el aula

La fase esquemática es de suma importancia puesto que el esquema representa cómo un objeto es visto por el niño, que lo representará conforme a su experiencia personal. A medida que dibuje más detalles será indicativo del desarrollo perceptivo del niño y de su comprensión del medio que le rodea.En esta fase juega un papel fundamental la figura del docente, pues él será quién motive al alumno a expresarse a través del dibujo, para ello deberá elegir entre diferentes motivaciones en función de las necesidades y de la edad de los alumnos.

En el aula el profesor deberá ofrecer a sus alumnos materiales diferentes (rotuladores de punta fina y gorda, ceras) para que puedan dibujar y expresarse libremente. También sería interesante aprovechar una salida o excursión para que los niños puedan captar las imágenes de su entorno, y luego plasmar en un dibujo lo que más les haya gustado o llamado su atención del lugar visitado.

Otros artículos consultados

-El dibujo infantil: imágenes, relatos y descubrimientos simbólicos (13-6-2010). Rosatello´s Blog. Recuperado de  http://rosatello.wordpress.com/

       CARACTERIZACIÓN DE ADJETIVOS

Utilizando un contorno similar y, con rotulador he caracterizado con seis adjetivos (contenta, triste, enfadada, miedosa, ilusionada y dudosa) a una niña y una flor.

TEMA 7: APORTACIONES DE LA 

EDUCACIÓN ARTÍSTICA AL

 DESARROLLO HUMANO Y AL

 CURRICULUM ESCOLAR 

Gardner, H. (2011) Educación artística y desarrollo humano. Paidós.

Resumen: En este ensayo el autor afirma que la organización del aprendizaje en las escuelas varía en cada cultura,  por lo que los métodos de enseñanza y  las actitudes hacia la educación artística serán diferentes. Para elaborar programas de estudios acordes con el desarrollo y las diferencias individuales existentes entre los alumnos, hay que tener en cuenta los descubrimientos científicos sobre el desarrollo humano.

A pesar de las diferencias entre culturas Piaget quería encontrar un modelo universal para todos, posteriormente otros estudiosos observaron que las diferencias individuales en educación iban más allá de lo cognitivo. Domina la idea de comparar las capacidades de un adulto bien desarrollado con las de un ordenador, y otros autores afirman la existencia de códigos y las capacidades para utilizarlos por lo que siguiendo a Goodman la habilidad artística, como actividad de la mente, depende del uso de los símbolos e implica emociones. Esos símbolos tendrán una finalidad estética cuando se utilicen de forma expresiva.

Según la línea de investigación los niños pueden diferenciar el estilo en una obra si se prescinde del tema son capaces de mostrar sensibilidad hacia los aspectos artísticos de la misma, siendo un interrogante saber cómo piensan lo que ven. Los alumnos de primaria son más sensibles hacia temas que les recuerdan a algo conocido, y prefieren dibujar sobre temas cotidianos o populares más que experimentar. Entre estos dibujos de los niños y los de artistas adultos existen semejanzas, aunque aquellos son menos autocríticos con sus obras.

Debido al acercamiento entre educadores y desarrollistas se han concluido la existencia de cinco clases diferentes de conocimiento, intuitivo y simbólico (aprendizaje informal, en todas las culturas), notacional y disciplinario (en la escuela, aprendizaje formal), y especializado, así como la dificultad de integrarlos. La búsqueda del método para la enseñanza del saber artístico que vaya más allá de la adquisición de conocimientos o de la producción y que se interese más por la comprensión es la orientación que debe seguirse en las escuelas.

Surge así Arts PROPEL como un proyecto educativo que parte de los elementos claves de la educación artística (producción, percepción y reflexión) y utiliza los proyectos de ámbito y las carpetas de los estudiantes para enseñar mediante actividades productivas que, facilitan la conexión con el conocimiento perceptivo, reflexivo y artístico, respondiendo a la diversidad individual y curricular. La evaluación formará parte de las actividades que realice el estudiante, evaluándose lo alcanzado en la práctica y en el saber.

Valoración crítica y actuación en el aula

La influencia de la educación artística en el desarrollo humano es decisiva por lo que debe darse la importancia que se merece a esta área desde la educación infantil. Sin embargo, y aunque esta asignatura aparece como obligatoria en el currículo de educación primaria de nuestro país, la mayoría de las veces el profesorado que la imparte no está especializado y carece de la formación necesaria para que su enseñanza y aprendizaje sea el adecuado, quedando reducida a una asignatura “maría” en la que sólo resaltan aquellos alumnos que dibujan muy bien. Y a esto se une la falta de programas de calidad artística y la falta de recursos económicos para, si se plantean, llevarlos a cabo.

En el aula el profesor debe orientar la actividad artística de sus alumnos en función de su edad , habilidad y capacidad, motivando siempre su trabajo e incitando su creatividad e imaginación.

Otros artículos consultados

-Ros, N. (s.f.). El lenguaje artístico, la educación y la creación. Revista Iberoamericana de Educación. Recuperado de http://www.rieoei.org/deloslectores/677Ros107.PDF

TEMA 8: LA IMAGEN COMO RECURSO VISUAL EN LA SOCIEDAD CONTEMPORÁNEA 

Berger, J.(2010). Modos de ver. Gustavo Gil, Barcelona, Capítulo 7.

Resumen: Es difícil no prestar atención a las imágenes que nos llegan mediante la publicidad, nos gusten más o menos pues implican libertad para elegir, nos fijamos en ellas , utilizando un lenguaje común cuyo objetivo es llegar al consumidor. Suscita en éste un sentimiento de ser envidiado si posee lo publicitado y los demás no.

La publicidad utiliza imágenes de arte del pasado, de la pintura al óleo, como reclamo, con la finalidad de que el  futuro comprador se vea como poseedor de una obra de arte, como signo de opulencia y de clase alta. Esta utilización se hace posible gracias a los clisés publicitarios creando en el espectador una ficción ilusoria de poseer el objeto real. No obstante el objetivo de la publicidad no se centra en el propietario en sí mismo (como la pintura al óleo), sino en él como parte de la sociedad, esto es, “tanto tienes, tanto vales”. El dinero es el eje central sobre el que actúa la publicidad, y en el poder que tiene para ser aceptado socialmente.

La credibilidad de la publicidad radica en el sentimiento de impotencia y envidia de aquellos que no están satisfechos consigo mismos y creen que sus sueños se harán realidad con lo que ven publicitado. Sustituye en el consumo a la democracia querida y no conseguida en política, ofreciendo una realidad del mundo que no se corresponde con las diferencias sociales que realmente existen, la enmascara o la ignora. Supone el modo de supervivencia del capitalismo, pues sin publicidad no existiría.

Valoración crítica y actuación en el aula

De acuerdo con Berger la publicidad nos hace olvidar las desgracias ajenas, y produce un deseo irrefrenable de poseer lo que hemos visto anunciado, pues lo vemos como algo imprescindible para sentirnos bien y que los demás nos vean con “mejores ojos”. Sin embargo, esta sensación es efímera, pues en cuanto tengamos aquello que hemos visto anunciado, veremos otra imagen que sustituirá a la anterior y la hará menos deseable pues querremos tener lo novedoso, lo último, lo más actual.

La tecnología es un claro ejemplo de la fascinación que la publicidad ejerce en la sociedad actual, tener el móvil con más prestaciones, tener 3G pero querer 4G porque acaba de salir al mercado y es lo mejor, etc. son aspiraciones para sentirse más admirado o envidiado y más satisfecho con uno mismo.

Para el aula llevaría a cabo actividades en las que se presenten imágenes publicitarias propias para la edad de los alumnos y sobre cosas que desean tener . En ellas aparecerá alguna imagen relacionada con el arte,  se les pedirá que opinen sobre su contenido, qué les llama la atención y se les  propondrá que diseñen la publicidad de ese producto de modo que sea atractiva  no sólo para niños de su edad, sino para todo el público.

Otros artículos consultados

-Álvarez, L. (18-3-2011). Reenganchando: vamos a publicidad. Las TIC en Plástica. Recuperado de http://blog.educastur.es/luciaag/2011/03/18/reenganchando-vamos-a-publicidad/

ARTISTAS POR DESCUBRIR (1)

Utilizando un lápiz y un rotulador negro he dibujado gotas de lluvia, nubes y dos paraguas. Las nubes las he pintado con el lápiz difuminándolo, y luego con el dedo ligeramente humedecido las he emborronado para dar ese tono más oscuro característico de las nubes de lluvia. Y, éste es el resultado.

ARTISTAS POR DESCUBRIR (2)

Con un rotulador y teniendo delante una taza con bolígrafos, regla y lápices, la he dibujado a la izquierda sin mirarla, solo con la imagen que tengo de ella en mi memoria, y a la derecha la he dibujado mirándola pero  sin mirar lo que dibujaba. El resultado y la diferencia  "salta a la vista ". 

Taza original

TÉCNICAS DE AMPLIACIÓN SIN RETÍCULA

Ampliación de una locomotora de vapor a partir de un boceto, añadiendo formas simples hasta llegar a la forma general, ir  dibujando detalles (marcos, campana, ventana, líneas) para terminar coloreando y rotulando líneas que se quieren destacar.

Locomotora de principios del siglo XX

TEMA 9: DEPARTAMENTOS DE DIDÁCTICA EN INSTITUCIONES CULTURALES-ARTÍSTICAS

TAMARIZ SÁENZ, M. (2002)”Aprendiendo a ver. Acercamiento al lenguaje artístico y al arte contemporáneo para alumnos de primaria”. Arte, individuo y sociedad, no.1, págs. 335-346

Resumen: El autor aborda el problema de que los profesores de primaria para enseñar el lenguaje artístico y el arte contemporáneo a sus alumnos. Analiza tres guías didácticas publicadas por pedagogos del Centro de Arte Reina Sofía dirigidas a alumnos de secundaria:

1. Guernica: Cuaderno de precio asequible. De las tres partes en que se divide es en la segunda donde el alumno puede desarrollar mejor su capacidad de comprensión y percepción con los ejercicios que se propone.
2.   Louise Bourgeois. Memoria y arquitectura: cuaderno biográfico de la autora que presupone unos conceptos que los alumnos no tienen. Requiere para su comprensión de una previa preparación y explicación.
3.  Tápies y 7 Tápies: cuaderno con un texto claro y buena distribución, en suma resulta muy práctico.

Propone Tamariz una metodología de trabajo aplicable a visitas a museos o exposiciones que parte de una sesión previa a la visita en la que a los alumnos se les presentarán los valores visuales de las obras que vayan a ver, para en sesiones ulteriores trabajar sobre ellos hasta su total asimilación. La elaboración de  un tablero-puzzle para afianzar conceptos básicos del área de plástica sería una buena actividad. Después de la visita los alumnos podrían realizar una obra para mostrar lo aprendido libremente, sin normas, y con música de fondo. También es aconsejable llevar al al aula actividades con fotos para que el alumno pueda apreciar los cambios de forma, de situación o de texturas diferentes.

Valoración crítica y actuación en el aula

Conforme con el autor el arte contemporáneo constituye un medio por el  que el alumno conoce el arte, y aprende actitudes y valores necesarios para su formación integral y su socialización. En el currículo de educación primaria se justifica el carácter obligatorio del área de educación plástica, sin embargo en la práctica se reduce a dibujar, pintar o explicar conceptos difíciles de comprender por los alumnos sin fomentar la creatividad o expresividad en ellos, quizás porque como dice Tamariz los profesores tienen una escasa formación o si la tienen no saben cómo hacerse comprender, o porque el centro carezca de los recursos materiales necesarios.

Dentro del aula planificaría actividades que, partiendo de conceptos explicados y comprendidos por los alumnos,  plasmen que han captado lo mostrado. Por ejemplo, una vez explicada la técnica de un collage en la siguiente clase  los alumnos traerán todo aquello que quieran para realizar uno propio de temática libre.

Otros artículos consultados

- Eisner, E. (2002) Ocho importantes condiciones para la enseñanza y el aprendizaje en las artes visuales. Arte, Individuo y Sociedad. Anejo I, p.p. 47-55. Recuperado de http://www.arteindividuoysociedad.es/articles/ANEJO_I/Elliot_Eisner.pdf

TEMA10 : DIDÁCTICA DE LA EXPRESIÓN ARTÍSTICA

RICARDO MARÍN VIADEL: Didáctica de la expresión plástica o educación artística.

Resumen: el autor diserta sobre el origen de la denominación Didáctica de la Expresión Plástica (DEP), que en Primaria se nombra como “Educación Artística. Educación Plástica” y en Secundaria, “Educación Plástica y Visual”. 

La  DEP es un área de conocimiento interdisciplinar y profesional cuyo objetivo  es la creación visual de imágenes mediante la observación, disfrute, transformación y representación de lo que nos ofrece la naturaleza y la cultura.

De entre las últimas innovaciones para el desarrollo de esta área pueden citarse: Educación artística Multicultural (abarca todas las culturas), Feminista (obras de mujeres). Medioambiental (ecología y medioambiente), Multimedia (nuevas tecnologías), y Postmoderna, en el terreno curricular destaca el DBAE(modelo muy completo diseñado por profesionales),  la utilización de las actividades artística como terapia artística (arteterapia), la existencia de Gabinetes educativo-didácticos en Museos o Galerías, manuales y líneas de investigación sobre la educación artística.

En cuanto a la historia de la Educación Artística es preciso analizarla desde tres planos : 1)la formación de los artistas, artesanos y profesionales de las artes visuales desde las primeras civilizaciones, el Renacimiento (tratados para aprender), la aparición de las Academias de Bellas Artes (agrupaciones institucionales de profesionales) hasta llegar a los siglos XIX y XX (grandes cambios). 2) La enseñanza del dibujo en la escuela y sus en tres periodos: a) Grecia al s.XIX,  b) s. XIX, colaboración de academias de Bellas Artes y profesionales encargados de redactar manuales para educación, y c) s. XX, introducción de prácticas y estilos artísticos, reconocimiento del arte infantil y desarrollo de proyectos curriculares. Y, 3) la formación artística del profesorado.

Es indudable la conexión interdisciplinar de la DEP sin perder por ello su entidad propia, así como con los continuos avances tecnológicos en imagen y comunicación audiovisual, sin embargo la presencia de profesionales en las universidades es reducida como también los contenidos a enseñar en ellas, y las asociaciones profesionales de educación artística son minoría.

La DEP forma parte de nuestro sistema educativo a nivel obligatorio como de libre elección (talleres, academias): en Primaria comparte área con la Música y la Dramatización pero no cuenta con profesorado especializado y gira en torno a la percepción visual, la producción de obras y la sintaxis del lenguaje plástico; es obligatoria hasta 4º ESO, pudiendo después elegir Bachillerato Artístico y posteriormente alguna de las pocas titulaciones que ofrece la universidad.

En cuanto a la formación del profesorado, la formación inicial y continua del profesorado es pobre, y deberían existir titulaciones oficiales que salvasen este problema. En este sentido, La NAEA publicó una serie de indicaciones referidas a la formación: Conocimientos de artes visuales a enseñar a los alumnos, de ciencias humanas y sociales, teoría con  experiencias, y prácticas del profesorado.

La investigación en Educación Artística como aumento de conocimiento engloba a los artículos que se publican en revistas referenciadas en la base de datos´Eric´, siendo un tema recurrente en ella el modo de enseñanza del dibujo en la escuela.

Valoración crítica y actuación en la escuela

De acuerdo con el autor la formación inicial del profesorado es imprescindible, debe poseer los conocimientos teóricos, procedimentales y actitudinales necesarios para enseñar a su alumnado. Asimismo el docente tiene que estar formándose continuamente, documentándose, asistiendo a cursos o seminarios pues el modo vertiginoso con el que avanza la tecnología le obliga a estar al día, y siendo la educación plástica un área tan íntimamente ligada a la comunicación audiovisual y a las nuevas tecnologías en imagen.

 En el aula el profesor debe programar actividades que combinen la teoría y la práctica,  haciendo uso de las nuevas tecnologías para hacer más amena e interesante la clase, pudiendo hacer visitas virtuales a museos o exposiciones.

Otros artículos consultados

  

-Castro, J. (13-12-2006).La expresión plástica: un recurso didáctico para crear, apreciar y expresar contenidos del currículo escolar. Universidad de Costa Rica.Recuperado de http://revista.inie.ucr.ac.cr/uploads/tx_magazine/plastica.pdf

MEZCLAS DE COLORES

En este ejercicio práctico para el conocimiento básico del color he hecho una cuadrícula en la lámina con once filas y once columnas. Con acuarelas  he pintado primero en cada celda (de filas y columnas) los colores primarios, y después he hecho las combinaciones alternando celdas para que no se mezclasen los colores.

DIGIGARABATOS

OPCIÓN Nº 1



Con huellas digitales y rotuladores he recreado las estaciones del año.

OPCIÓN Nº 2

He realizado a partir de 66 huellas digitales alineadas por color el mayor número de formas posibles, intentando ser creativa.

MODELADO

Proyecto tres en raya

Con arcilla marrón he modelado seis figuras para el juego tres en raya : dos trenecitos, dos aviones y dos coches. He hecho 4 tiras para dividir  en 9 cuadrados el tablero, que es un cartón duro de 30X30 y que previamente he pintado de verde con marco en color negro.