Ana María Valero Filiu

RESUMEN

TEMA 1: EL DOCENTE Y LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA

LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA O LA PERVIVENCIA DE UNA PARADOJA.

Martinez, Elvira y Delgado, Juan, EL PAÍS.(8/3/1983)

Está en la forma de percibir del ser humano que algo sea creativo y artístico al mismo tiempo. Mientras que, por otro lado se pretende aprender lo creativo mediante la imitación y el proceso mecánico.

Según el artículo las causas de esta incongruencia se centran en que lo artístico es infravalorado socialmente, siendo marginado. Esto se debe a que, lo artístico no se considera productivo para el sistema pero igualmente es visto como privilegio únicamente de artistas. Además, existe una infravaloración pedagógica del arte como lenguaje expresivo en comparación con otras áreas.

La escuela limita la expresión individual del alumno a favor de la dependencia e imitación. No se percibe como producto del lenguaje sino como conocimientos, técnicas y destrezas.

De forma añadida, se destaca la falta de preparación de los docentes y la confusión en criterios y conceptos y en su forma de enseñarlos.

Los autores nos destacan la evolución de la educación artística en España, la cual está marcada por:
·Antes de los 70: enseñanza en el trabajo. Consistía únicamente en la reproducción de patrones exteriores adaptándose al nivel del alumno. Trabajos que todavía muchos docentes exigen a pesar de todos los cambios en educación artística, eso sí,  ayudados por las fotocopiadoras.
·Década de los 70: libre enseñanza. Gran avance y cambio en el área (metodología, actitudes y contenidos) donde solo lo más progresistas apuestan por la expresión individual, la imaginación y docentes motivados y creando motivación entre los alumnos ayudados de recursos y materiales.
·Década 80 y 90: se forma la “disciplina artística” con sus propios contenidos optando por el nombre de “Artes Plásticas” aunque no dejan de influenciarse modelos de trabajo imitativo e individual.

Se habla de darle un uso artístico a la lengua, de desarrollar el lenguaje visual, es el uso del sistema de símbolos con una determinada forma, finalidad y función con el objetivo de expresar y comprender.

Para adquirir y usar el lenguaje visual Juan Delgado y Elvira Martinez en su texto diferencian tres procesos, de interiorización (generar ideas), reflexión y transformación (creatividad) y por último, de expresión.

A pesar de todo siguen existiendo dos modelos, uno limitado a la técnica aplicado con materiales y otro más creativo.

VALORACIÓN Y APLICACIÓN

En mi opinión la capacidad de motivar a los alumnos apoyándonos en las nuevas tecnologías (tan atractivas para ellos) y ofrecerles para hacerles valorar es la clave en las aulas. Además es una disciplina que debe extenderse más allá de la clase de educación artística y aprovechar sus contenidos para enriquecernos de nuestro entorno.

EDUCACIÓN ARTÍSTICA: PROPUESTAS PARA LA FORMACIÓN DEL PROFESORADO EN LOS NUEVOS ESTUDIOS DE GRADO

Carmen Alcaide (Universidad de Alcalá) 

En este artículo se destaca la escasez de formación de calidad de los futuros docentes lo que repercute en ofrecer una enseñanza óptima a los alumnos. Es necesaria una formación pedagógica además de los contenidos de rigor, especialización y posibilidad de profundización.

El poco valor socialmente a esta asignatura y la insuficiente formación del profesorado repercute en sus objetivos de aula y en lo que se pretende formar en educación artística, lo cual se ve influenciado por sus pocas horas en el currículo.

Con el reciente cambio de adaptación al Espacio Europeo de Educación Superior se habla de las opciones de crear en esta área nuevos Planes de Estudio que respondan a las necesidades académicas y laborales, ofreciendo mayores posibilidades de acceso y de formación con el fin de favorecer el desarrollo artístico, pedagógico y de investigación. Entre otros grados de especialización y Posgrado, estaría la titulación en Educación Artística: Plástica y Música.

VALORACIÓN Y APLICACIÓN

Este texto muestra la realidad de nuestras aulas y una vez más se insiste en la necesidad de formación del profesorado, ya sea en contenidos pedagógicos y los propios de la materia, así como saber llegar a la práctica real y saber adaptarse a la sociedad actual. Estoy totalmente de acuerdo en la necesidad de una formación integral e interdisciplinar que posibilite a los alumnos de hoy y futuros docente la posibilidad de especialización y profundización real.

TEMA 2: LA APRECIACIÓN PLÁSTICA DE ESTILOS ARTÍSTICOS. LA NECESIDAD DE JUICIOS CRÍTICOS

”EL ARTE Y LOS ARTISTAS”, Gombrich, E.  Introducción a La Historia del Arte, pp.15-37

El texto comienza recordando la inexistencia del Arte y si de los artistas. A través de su lectura interpretamos que el arte tiene infinitos significados y que hay una parte esencial que es el valor subjetivo por parte del observador, puesto que los gustos y los criterios sobre la belleza son muy variables. A menudo, esta valoración al contemplar una obra depende de la comprensión de la misma y de su cercanía a la realidad que vivimos.

Igualmente se exige que el artista dibuje con corrección y si no lo hace debe tener motivos para ello, ya que su intención puede ser ella misma, una obra alterada y cambiada. Criticamos entonces, si no es como esperamos que sea sin saber lo que se pretendía y como se hizo.

El artista tiene un don de dedicación y esmero y persigue el equilibrio y la armonía entre lo que crea, ve mucho más allá basándose ya no en leyes sino en su propia intuición, de ahí es de donde sale el artista.

El texto alude al peligro de los que buscan entre lo que no saben y comparan.

Me parece un texto interesante ya que acerca, en cierta forma, el Arte a los que desconocemos más sobre la temática, nos ayuda a entenderlo un poco más. La subjetividad es un elemento importante que debemos transmitir a los alumnos pero también la intención y dedicación de los artistas, sería apropiado presentar distintas obras a los alumnos para que puedan observar, valorarlas y opinar sobre ellas e igual forma intentar crear ellos su propias láminas para ser criticados de forma respetuosa por los demás.

LA BELLEZA COMO PROPORCIÓN Y ARMONÍA, Capítulo III

En este texto el autor hace un recorrido a través del tiempo atendiendo a lo que es considerado “belleza” dependiendo de la época y su situación geográfica. Con los siglos los cánones y las reglas han ido evolucionando y modificándose.

Destacamos la variedad de elementos que hacen considerar una obra bella y llena de valor, ya sea escultura, pintura, construcción arquitectónica… podríamos decir que siempre existe un significado que representa dicha forma de ver las cosas.

Entre los elementos a destacar para que para que algo sea bello, se habla de proporción y esta implica números, es decir, cualquier obra tiene detrás una explicación y una aritmética, además de tener relación siempre con la naturaleza y la materia que rodea. También la necesidad de armonía, claridad y equilibrio entre las partes, así como su simetría son esenciales para alcanzar la perfección de una obra de la época. Incluso lo aparentemente feo tienen armonía en su creación que les hace tener belleza.

VALORACIÓN Y APLICACIÓN
Es curioso observar variedad de obras cuando conocemos algunos rasgos que nos ayudan a interpretar lo que vemos y saber más de lo que el autor quiso expresar con su creación. Este aspecto me parece importante trasladarlo a los alumnos para que puedan conocer grandes rasgos e identificar elementos de un trabajo artístico. Profundizar en arquitectura que ellos mismo han podido conocer para que les sea más cercano o en pintura representativa sería una forma de motivarles y crear inquietudes referentes a la materia.

LÁMINAS CON LA TÉCNICA DEL PAPEL RASGADO

FIGURA SIMPLE 

Usando materiales sencillos como papel de seda o folios de colores y pegamento hemos podido elaborar una lámina sencilla de un barco sobre el mar y una isla con una palmera. A partir de fragmentos de papel y con ayuda de un rotulador hemos dado color a esta lámina. Los trozos son grandes y la forma de córtalos puede ser variada ya que el mar, la isla, las nubes...son elementos que no tienen una forma definida concreta, este detalle facilita la tarea para elaborarlo con niños más pequeños.

FIGURAS MÁS COMPLEJAS

En las siguientes láminas hemos rasgado papel de diferentes colores intentando formar dibujos más elaborados, al ser más pequeños y con un contorno más concreto resulta más difícil ya que se necesita más precisión al rasgar.

EXPRESIONES

Con ayuda de papeles rasgados y de un rotulador hemos dado forma de niños a estos trocitos de papel. Claramente se puede ver las diferentes expresiones en el rostro que muestra cada alumno/a y su maestra, contento, triste, enfadado, sorprendido...con el cambio de una sola línea de la boca o con la dirección en la que dibujemos las cejas podemos cambiar totalmente la expresión de una cara.

REPRESENTACIÓN DE UN CUADRO

En la siguiente lámina hemos representado un cuadro a través de la técnica de papel rasgado. Aunque aparentemente parece una obra sencilla me ha resultado muy difícil darle forma al rostro y a la figura humana en general.

 Obra de Pablo Picasso

TÉCNICAS DE AMPLIACIÓN A PARTIR DE UNA CUADRÍCULA

En la siguiente lámina hemos dibujado a un bebe a gran tamaño a partir del mismo en tamaño pequeño, para poder orientarnos y ampliar el dibujo nos hemos basado en una cuadrícula que después hemos borrado.

La imagen del bebe ha sido enmarcada dentro de un cuadrado grande divididos a su vez en tres iguales horizontales y tres verticales. A partir de ellos, fijándonos en cada uno de los cuadros hemos ido dibujando todos los rasgos de este bonito cuadro.

TEMA 3: MODOS DE VER BERGER, J.
EULÁLIA BOSCH

Es el ojo quien crea las imágenes del exterior haciendo visible la realidad y de ahí que podamos percibirla atendiendo a nuestros conocimientos y sabidurías, y nuestras ideas previas. Existen desde hace mucho numerosos aparatos que nos acercan a miles de imágenes aunque esto permite al mismo tiempo, cambiar el significado de lo que realmente existe. Berger en su programa de televisión de los años setenta “Modos de ver” aludía a la posibilidad  de las cámaras de reproducir las artes y su capacidad para influenciar en la percepción del espectador, perdiéndose posiblemente la autenticidad de lo que vemos. No es necesario un sonido para escuchar y sentir obras cuando están viéndose, la vista es el sentido clave para la entrada de información, pero cuando miramos irremediablemente se cruza nuestra subjetividad, percibiendo una imagen que da lugar a las perspectivas y diferentes significados de una misma imagen.

VALORACIÓN Y APLICACIÓN

Este texto hace reflexionar sobre la importancia de lo que percibimos a través de nuestros ojos y de lo que posiblemente puede estar percibiendo otra persona. Nos acerca a la posibilidades de interpretación de una misma obra, teniendo en cuenta además los conocimientos y el estado de la persona que lo observa. Nos hace entender que ante una obra no solo los aspectos objetivos tienen valor (el color, el tamaño…) sino que también se transmiten unos sentimientos y un valor.

En cuanto a las actividades en el aula, me parece interesante que los propios alumnos toquen con los ojos cerrados algún objeto y lo describan con sus palabras, no solo lo que notan sino lo que sienten, observando la diferencia entre ellos.

Para complementar podríamos añadir una imagen en las que se puede percibir dos figuras en la misma aludiendo a la forma de ver de cada uno y la diferencia que puede existir ante la observación de una misma obra.

Un ejemplo puede ser el siguiente donde podemos observar una mujer anciana o una mujer joven.

ADJETIVOS (OBJETO ANIMADO -OBJETO INANIMADO)

A continuación se muestra la realización de unas imágenes basándose en seis adjetivos, en este caso hemos elegido árboles y búhos. De forma paralela se han representado en seis maneras distintas según los adjetivos: seco, frondoso, alto, pequeño, caído/roto y apagado.

  

TÉCNICA DE AMPLIACIÓN DE UN DIBUJO SIN CUADRÍCULA

El siguiente dibujo realizado en el bloc es una ampliación sin usar cuadrícula. Nos hemos basado en los pasos que nos ofrece el ejemplos dado y no ha resultado muy difícil. 

Hemos elegido el dibujo de el león y lo hemos repasado de rotulador naranja y marrón para darle un poco de vida.

TEMA 4: ARTE, EDUCACIÓN Y CREATIVIDAD

JUAN CARLOS ARAÑÓ GISBERT. Universidad de Sevilla. Revista pixel-Bit. Número 2. Junio 1994

Hablamos de cultura para referirnos a un conjunto de significados y formas simbólicas y comportamientos de un grupo social, entendemos que cualquier obra está ligada a una cultura, ya que estas son realizadas dentro de una cultura, de unas condiciones históricas y sociales, dentro de una estructura.

El arte, por tanto, transmite cultura, es una forma de expresión que el resto debemos percibir constructivamente y que desde la educación debemos ofrecer para hacer crecer al alumno bajo un aprendizaje significativo y experiencial. Relaciona la realidad con las obras humanas y con la naturaleza.

La definición de Educación Artística en la enseñanza difícil de delimitar, además de existir numerosas expresiones en educación a las que también hacen referencia (plástica….) esta área puede incorporar contenidos sobre arte y otros con intención más profesional (fotografía, diseño…).

El Arte puede entenderse desde distintos puntos de vista según el ámbito en el que se aplique, en educación se llama en función de los contenidos que se realicen.

Cuando hablamos de creatividad, el concepto ha tenido una larga evolución, podríamos concluir que con él aludimos a la genialidad y la expresión novedosa y sorprendente de lo trabajado ya sea mediante la combinación de lo conocido o lo totalmente desconocido.

VALORACIÓN Y APLICACIÓN

Para trabajar en el aula propondremos al alumnado que expreses emociones a través de una lámina con los materiales que deseen, la libertad de recursos y la dificultad para plasmar algo tan abstracto como los sentimientos exigirá a los alumnos cierto grado de originalidad y creatividad, de tal forma que seguramente los resultados serán muy distintos y podremos reflexionar sobre ello.

TEMA 5

HERRAMIENTAS DEL LENGUAJE VISUAL

El lenguaje visual es lo que permite la comunicación visual, a través de las imágenes los profesionales construyen mensajes que llegan a los espectadores, aunque es difícil concretar esa lectura existen herramientas que ayudan al autor a delimitar en cierta forma su significado y expresión.

Este tema nos estructura dichas herramientas utilizadas que son:

1. Herramientas de configuración,  donde encontramos

• ·         La importancia del tamaño de los productos y su relación entre el objeto y la persona observadora.
• ·         La formas regular (tipo natural) o irregular (tipo artificial).
• ·         El color ya que pueden ser colores-pigmento que se pueden tocar físicamente (encontrados en la pintura, libros…), y los colores –luz más intangibles (ordenadores, fotografía…).
• ·         La iluminación intrínseca del propio objeto (representaciones bidimensionales) y la que viene del exterior (productos tridimensionales). Esta iluminación dependerá del tipo que sea (natural o artificial), de la cantidad, temperatura y la orientación hacia donde vaya la luz.
• ·         Otra herramienta es la textura del soporte del producto o de los materiales, además también existe una textura ficticia cuando parece a primera vista un tipo de material pero es otro).

1. 2.  Las herramientas de organización, en función de cómo se sitúe el objeto puede reflejar distintas lecturas, eso dependerá de:

• ·         La composición, que se refiere a la ordenación de las herramientas dentro del espacio, podrá ser una composición dinámica (con características asimétricas, incompletas, oblicuas…) o reposada (más constante, rectas, centradas, simétricas...).
• ·         La retórica visual para interconectar los distintos significados de los componentes, se trata de utilizar elementos para transmitir un significado distinto del que corresponde, ya sea sustituyendo, comparando, añadiendo o eliminando elementos.

VALORACIÓN Y APLICACIÓN
A modo de actividad en el aula, podríamos proponer a los alumnos que elijan una característica de todas las mencionadas y que intenten representarla a través de una lámina, ya sea la diferenciación de colores, tamaño…de esta forma podemos ver en la práctica cada significado de lo trabajado. Procuraremos que todas las características estén representadas para luego hacer una puesta en común y reflexionar sobre ellas.

También podemos animar a los alumnos a que busquen a través de internet el significado de uno de estos elementos dentro de un producto. El porqué de un color en una marca o el porqué de ese color de la ropa de determinados políticos o la composición de un cuadro, la textura de un producto. Indagar sobre los conceptos.

TEMA 6 LA CONQUISTA DE UN CONCEPTO DE LA FORMA

La fase esquemática, de 7-9 años.

LOWEENFELD, V. y LAMBERT, B. (2008) Desarrollo de la capacidad intelectual y creativa. Madrid, Síntesis. Capítulo 8: la conquista de un concepto de la forma, pp. 289-338.

Sobre la edad de 7 a 9 años los niños con las imágenes que conocen (su entorno) tienen representaciones mentales y por tanto esquemas que les da la capacidad para realizar dibujos sobre esas imágenes. Estos esquemas de objetos pueden variar totalmente de un niño a otro ya que están determinados por la forma de ver y su significado emocional. La figura humana es por excelencia el primer dibujo a representar personalizada por cada niño. Guiándose desde el suelo crea una línea base de la que salen todas las demás para crear cual sea su dibujo.

En la representación del espacio-tiempo, el niño se basa es su propio aprendizaje y en su experiencia sea consciente o inconsciente. En un dibujo pueden verse varias desviaciones como son: la exageración de alguna parte importante, omitir alguna parte no importante o cambiar símbolos para partes más relevantes.

El niño en esta etapa descubre la relación entre el color que caracteriza a un objeto, dibuja de forma más objetiva como parte de su desarrollo permanente de los procesos mentales. 

Es a esta edad, en primaria, donde el niño deja de verse solo a él mismo y comienza a representar objetos que no solo se relacionan con él sino con otros objetos, momento importante para su desarrollo. La individualidad ante un dibujo muestra la diversidad de interpretaciones, percepciones y el desarrollo de cada uno.

VALORACIÓN Y APLICACIÓN

Para trabajar este tema en el aula, pediremos al alumnado que representen una figura humana con los materiales y de la forma que ellos quieran, fomentaremos su creatividad, su imaginación y su forma de expresar lo que percibe y luego observaremos la variedad que existe en sus creaciones.

ARTISTAS POR DESCUBRIR

Basándonos en el libro: Artistas por descubrir de Quentin Blake y John Cassidy y con la ayuda de unos rotuladores de colores y un lápiz hemos elaborado la siguiente lámina. Para hacer parecer la nube más oscura hemos frotado el dedo humedecido sobre ella, previamente la pintamos con lápiz.

Siguiendo las directrices del libro Artistas por descubrir en la siguiente lámina he intentado dibujar la taza, en el primer dibujo sin mirar la taza fijándome solo en lo que dibujada y el resultado ha sido más o menos bueno, al lado he intentado dibujar la taza solo mirando a ésta sin mirar lo que dibujaba y me ha sido demasiado complicado. No he sabido unir las partes y me ha salido mucho más pequeña.

MEZCLA DE COLORES

La siguiente lámina muestra las mezclas de colores realizada con acuarelas.

HUELLAS DE DEDO

A partir de huellas de dedo hemos podido elaborar con ayuda de rotuladores de colores esta lámina que muestra un paisaje sencillo lleno de color, y la siguiente un parque con niñas y globos.

TEMA 7 EDUCACIÓN ARTÍSTICA Y DESARROLLO HUMANO

GARDNER, H. (2011) Educación Artística y desarrollo humano, Paidós.

Este ensayo de Gardner se adentra en el estudio de la Educación Artística y el desarrollo humano del niño. Se centra en la explicación de lo que se entiende y cómo se produce el arte según la etapa del desarrollo.

Entre los muchos autores, Piaget establece por primera vez métodos observaciones y experimentales para el desarrollo infantil, además se basa en Rousseau de que los niños descifran su ambiente de forma particular, según Piaget a través de sistemas que conforme crecen van cambiando (sensoriomotor, simbólico…).

El arte forma parte de un sistema de comunicación, Godman presenta unos criterios de notacionalidad como formas de simbolización que apela a clases de habilidades del ser humano.

Piaget de nuevo muestra que los bebes durante su primer año adquieren una gran cantidad de conocimiento debido a sus interacciones y sus percepciones.  El segundo año es de gran importancia ya que utilizan y dominan los sistemas simbólicos. Más tarde es el conocimiento disciplinario formar y notacional lo que va creando las formas de conocimiento.

Numerosos estudios empíricos se centran en esclarecer los niveles de comprensión de los individuos hacia las obras de las artes visuales, se concluye la preferencia de obras con significado para el observador, reflejando algo cercano o a alguien, es decir, que tenga efectos emocionales y se asemejen a su realidad. El niño participa como creador  pero también como observador.

Gadner concluye con la idea de que las actividades artísticas deben ser atractivas para que el proceso de aprendizaje y la valoración de lo artístico sea el adecuado. Los estudios sostienen la importancia de la educación artística sobre otras áreas del aprendizaje y su necesidad en el curriculum.

Para finalizar se detalla un experimento educativo basado en la teoría del desarrollo llamado “Arts Propel” sobre evaluación y programa de estudios en artes,  experimento del autor que tras su anterior trabajo “Proyecto Cero” se esfuerzan en dar la importancia que merecen las artes en la educación y el desarrollo. “Arts Propel” es un modo de desarrollar una educación artística efectiva, trabaja el conocimiento y la educación artística desde la producción, percepción y reflexión de los alumnos.

VALORACIÓN Y APLICACIÓN

El docente desde el aula debe crear una motivación real para que los alumnos se sumerjan en sus creaciones artísticas y no solo posean conocimientos teóricos sino que reflexionen sobre lo que observan y crean, no se trata de crear o no artistas sino de ofrecer conocimientos para que nuestros alumnos puedan expresarse utilizando también el arte.

TEMA 8 MODOS DE VER

BERGER, J. (2010) Modos de ver. Gustavo Gil, Barcelona, CAPÍTULO 7.

La publicidad hace que cada día miles de imágenes nos estimulen sin apenas impacto, con su propio lenguaje influye muchas veces en nuestras decisiones a pesar de nuestra libertad de elección. Las empresas persiguen el mismo objetivo de venta ofreciendo una imagen de nuestra imagen con el producto que vende, por ello actúa con las necesidades del espectador. La envidia es un elemento de reafirmación ante los demás con la que juega la publicidad.

Existe una relación  de la publicidad con la pintura al óleo. En la publicidad hay muchas referencias a obras de arte del pasado, el óleo es herencia cultural de lo que significa ser un europeo culto,  representa el espectador-propietario representando la propiedad privada (eres lo que tienes). La publicidad es la cultura de la sociedad de consumo, con las innovaciones técnicas como la fotografía  se busca actuar sobre el espectador para que adquiera lo que realmente está viendo (ya que es una imagen tal cual el producto).

La función de la publicidad cambia de mostrar (en óleo) lo que el dueño ya disfrutaba, a lo que el espectador debe conseguir (el producto que ve en la publicidad).

A nivel social la publicidad está presente en la decisión de todos, por lo que existe un sistema filosófico detrás.

La publicidad se convierte en una vía de influencia que percibimos diariamente, mientras que con el óleo se refleja la realidad con los nuevos medios se crea en los espectadores la necesidad de productos.

VALORACIÓN Y APLICACIÓN

Debemos reflexionar con nuestros alumnos sobre la influencia de la publicidad  y hacerles críticos ante ella, de aquí la importancia del lenguaje visual.

Para trabajar esto podemos seleccionar folletos publicitarios para analizar realmente lo que nos hacen creer. Un ejemplo de ello, pueden ser los perfumes que nos muestran poder alcanzar con la fragancia un estatus o situación superior a la real.

TEMA 9 APRENDIENDO A VER. ACERCAMIENTO AL LENGUAJE ARTÍSTICO Y AL ARTE CONTEMPORÁNEO PARA ALUMNOS DE PRIMARIA

TAMARIZ SÁENZ, M. (2002) aprendiendo a ver. Acercamiento al lenguaje artístico y al arte contemporáneo para alumnos de primaria”. Arte, individuo y sociedad, no. 1, págs.335-346

La presencia de la imagen y del arte contemporáneo en la vida cotidiana implica utilizar un lenguaje y unos códigos complejos para enseñar, de ahí la dificultad de muchos docentes para acercar el arte a los alumnos ya sea en museos o instituciones dedicadas al arte.

Este texto analiza el lenguaje plástico en sus niveles de lectura relacionando la naturaleza y arte a través de la percepción visual.

El currículo de Educación Primaria justifica la necesidad y obligatoriedad de la Educación Plástica.

Algunos materiales publicados por el Gabinete pedagógico del Centro de Arte Reina Sofía son:

• ·         Guernica: guía didáctica en forma de cuaderno tamaño folio con un fragmento del Guernica con una guía informativa dedicada a ESO y a sus conocimientos en ésta área. El cuaderno engloba tres bloques con actividades previas, del museo y posteriores.
• ·         Cuadernos didácticos: Louise Bourgeois. Memoria y arquitectura. Otro cuaderno didáctico con fotografías y texto, se orienta a profesores de Bachillerato o Sencundaria Obligatoria. El contenido relata la vida y procesos creativos del autor.
• ·         Tàpies y 7 Tàpies: cuaderno sobre la última exposición de la obra de Tàpies, con un ápendice y mejor distribución de los contenidos. Esta dirigida al visitante en general  y alumnado de la ESO y explica obras de diferentes periodos del autor.

Como orientación para el docente este tipo de trabajos debe trabajarse con sesiones previas a la visita, durante la visita y posteriores a la visita para afianzar los conocimientos adquiridos utilizando materiales de todo tipo.

En cuanto al alumno le sirve de guía para poder entender mejor lo que ve y sacarle el mayor partido a su visita.

VALORACIÓN Y APLICACIÓN
En mi opinión, estas guías son muy útiles para orientar y formar al docente así como al alumnado, son un apoyo para fomentar las visitas a museos y acercar a los alumnos a este mundo del arte creando inquietudes e intereses. Se puede trabajar todo lo que abarca una obra y luego visitarla para confirmar y afianzar lo aprendido.

TEMA 10

DIDÁCTICA DE LA EXPRESIÓN PLÁSTICA O EDUCACIÓN ARTÍSTICA

Ricardo Marín Viadel

La Didáctica de la Expresión Plástica (DEP) es el área de conocimiento que estudia la educación artística y estética. DEP es un término que ha cambiado con frecuencia a lo largo de su desarrollo. Tiene carácter interdisciplinar, una importante función es la formación del profesorado de artes visuales, así como llegar a toda la población y al mismo tiempo crear artistas y profesionales.

El texto nos habla de la evolución conceptual de la DEP y sus distintos enfoques de investigación. Su origen se centra en la cantidad de manifestaciones artísticas existentes y con ello la necesidad de crear sistemas de formación tanto de profesionales como educativos. Se requieren procesos de E-A que permitan transmitir entre generaciones conocimientos. Hasta el Renacimiento la enseñanza se daba en el mismo sitio del trabajo, es en esta época y seguidamente con la Revolución Francesa cuando se crean las academias e instituciones educativas por la necesidad de formación y organización, con sus especializaciones y numerosos enfoques.

Por el S.XIX el dibujo es incluido como asignatura en la enseñanza obligatoria y en el S.XX se descubre la importancia del dibujo en la etapa infantil como tipo de manifestación de los niños.

La DEP ya posee entonces, sus propios manuales, instituciones y revistas y sociedades. Sus temas principales son la creatividad y percepción visual, el dibujo y arte infantil, el aprendizaje artístico, teorías de la educación artística y enfoques contemporáneos, educación estética, historia de la educación artística, la educación artística en las instituciones artísticas y culturales y en los medios de comunicación de masas, diseño curricular en educación artística, la E-A de las principales disciplinas artísticas, la E-A de los principales conceptos de las artes visuales; y la investigación.

En general en la enseñanza el profesorado formado es escaso así como las asignaturas adscritas a títulos oficiales y el tiempo que a ellas se dedica en el caso de existirlas.

Así mismo son escasas las Asociaciones Profesionales, entre las que se destaca INSEA (asociación internacional por excelencia) fundada en 1952 realizando Congresos cada cuatro años; de ella sale en España SEEA en 1984; y otras asociaciones prestigiosas estadounidense es NAEA y la inglesa NSADE.

La enseñanza artística está presente en el sistema educativo obligatorio excepto 4º E.S.O que se presenta como optativa, siendo en infantil lo más habitual e importante.

En Bachiller se ofrece el bachillerato artístico, también existe la Formación Profesional de especialidades relacionadas con las artes visuales; y las Artes Plásticas de las Escuelas de Arte.

En cuanto al profesorado su formación no tiene una estructura sólida, siendo en el caso de Infantil y Primaria la existencia de una única asignatura en la carrera, para secundaria y sucesivos si se exige formación de tal especialidad.

En el tema de investigación, son numerosos los proyectos que pretenden aumentar los conocimientos sobre la enseñanza y aprendizaje de las artes visuales en sus distintos temas.

VALORACIÓN Y APLICACIÓN

               Debemos destacar la importancia de la formación del profesorado de educación artística tanto en infantil como en primaria, siendo en esta primera etapa fundamental para el desarrollo de los niños, al mismo tiempo que en estos primeros años se sientan las bases y se crean hábitos y valoraciones. Sobre ello, el texto refleja la escasez en formación y la falta de preparación didáctica en lo que estoy totalmente de acuerdo. Además de preparación académica el profesorado necesita recursos y materiales adecuados para desempeñar su trabajo en equipo y con el respeto y el apoyo del resto de profesores. Por lo que desde las aulas, los profesores de enseñanza artística deben compartir experiencias con el resto de profesores y favorecer de forma global en la medida posible de cada asignatura esta formación.