Mª Ángeles Pérez Alhama

  TEMA 1

El Docente y la Educación Artística

La educación artística enseña a los alunmos el lenguaje visual. El docente muestra la forma de abordar y desarrollar las distintas actividades que harán que el niño desarrolle su capacidad creativa.

Según Delgado, la Educación Visual y Plástica sigue siendo una actividad marginal dentro del curriculum por dos razones: la poca valoración social de lo artístico y la poca valoración pedagógica de los lenguajes expresivos.

Lo artístico no se ve como algo productivo para el sistema y por tanto es algo superfluo. Además, la escuela limita muchas veces la expresión individual del alumno y no se considera la actividad plástica como la utilización de un lenguaje.

A ésto hay que añadirle la falta de preparación de los docentes, que desconocen el lenguaje visual, los recursos expresivos, y los desarrollos perceptivos, coordinativos, reflexivos y de abstacción espacial.

En los últimos 40 años la educación artística ha evolucionado en distintos aspectos. Antes de los años 70 se desarrollaba la habilidad manual y la destreza para el dibujo, centrados en reproducir patrones. A partir de los años 70, se “desbloquea” la creación del alumno y se potencia la creación del alumno y la expresión individual. El profesor, pues, pasa a tener un papel motivador, con recursos y materiales. A partir de los años 80, se crea, al fin, una disciplina artística con contenidos propios.

Ya que la función de cualquier lenguaje es expresarse y comprender lo que se transmite, se necesita una interacción con el entorno. Así, podemos definir la habilidad artística como una actividad de la mente que involucra el uso y transformación de diversas clases de símbolos y sistemas de símbolos (Gadner 1994).

La adquisición y el uso del lenguaje visual debe aplicar tres procesos creativos:

1. Interiorización-recepción; unida a la producción divergente.
2. Reflexión-transformación; creativa con actitudes de transformación.
3. Expresión-comunicación; la proyección exterior.

Así pues, para formar a docentes se tienen en cuenta dos modelos. Uno se deriva de la confusión conceptual y pedagógica y se limita al uso de materiales y de técnicas plásticas. El segundo aplica procesos creativos a las actividades de sus alumnos.

Por otro lado, Carmen Alcaide nos habla de las futuras maestras y maestros y la formación universitaria. Ella postula que los títulos de grado y postgrado deben hacer que el alumno acceda a una formación con contenidos de rigor universitario, centrados en perfiles profesionales e investigadores. Y todo ello con una preparación pedagógica enfocada a la formación de alumnos de Infantil y Primaria.

El tiempo que se destina a la formación artística en los currículos es bastante inferior al que se destina a otra materias. Se necesita un replanteamiento del modelo de educación ya que la educación artística de hoy en día basa sus pedagogías en las propuestas que ofrecen las distintas editoriales de los libros, que lo único que hacen es reproducir estereotipos.

El profesorado es así el responsable de que los alumnos desarrollen al máximo sus capacidades. Vemos como la formación del profesorado es fundamental y se hace necesario un plan de estudios propio. Si se mejora la formación artística y cultural de los maestros, mejoraremos también la de la sociedad.

TEMA 2

El arte y los artistas

Los artistas son los que forman el arte, el cual no puede ser concebido como tal por si mismo, sino como la producción de dichos artistas.

La palabra arte puede significar muchas cosas, muchas actividades distintas y en distintos lugares. Un cuadro, una escultura, o un paisaje. Nuestros gustos nos ayudan a disfrutar de lo que estamos viendo. Por lo tanto, podemos hablar de gustos distintos y de criterios de belleza diversos. La expresión de un personaje en un cuadro también nos influye para demostrar nuestro criterio. Aun en los períodos más primitivos, los artistas se esforzaban por expresar rostros, actitudes humanas y sentimientos.

Los que admiramos el arte queremos que lo que se representa parezca “de verdad”. Queremos una representación del mundo real. Podemos afirmar que Durero o Rembrandt se esforzaron para que ésto fuera visible.

Por otro lado, tenemos que hablar del arte moderno y las obras “dibujadas incorrectamente”. En estos movimientos artísticos, el artista dibuja las cosas de modo distinto, las cambia y las altera. Pero estos artistas también saben dibujar correctamente. Aquí, pues, nos preguntamos por qué el artista realizó la obra de esa manera, qué motivos le llevaron a hacerlo así.

Aceptamos colores y formas convecionales como si fueran exactos; estrellas “estrelladas”, el cielo azul, la hierba verde, etc. Pero realmente las cosas pueden adoptar otras formas y colores. Los pintores ven así el mundo con otro mirar, desembarazándose de ideas preconcebidas. Por lo que, lo que es representado de manera poco convencional, es condenado por nuestros prejuicios. Estos prejuicios desprecian y censuran obras de arte sin motivos. Ante esto debemos saber que las obras que están expuestas en nuestros museos y galerías, se hicieron en un determinado momento y para un determinado propósito.

Los artistas suelen ser gente callada. Expresan sus emociones a través de sus obras. Lo que le preocupa al artista va mucho más allá y es algo difícil de expresar con palabras. Cuando reune formas y colores, el artista vas más allá; él puede ver diferencias y cosas que nosotros no vemos y las combina acertadamente.

Según Gombrich(2004), como no existen reglas que nos expliquen cuando un cuadro o una escultura están bien, suele ser imposible explicar por qué es una obra maestra. El gusto en arte es algo complejo y debemos comprender lo que los artistas se propusieron realizar. En el arte siempre hay cosas que descrubrir y las obras de arte parecen distintas cada vez que se contemplan.

En mi opinión debemos disfrutar del arte en todas sus expresiones. Cada artista ha querido plasmar sus ideas de manera distinta, atendiendo a sus ideas y al movimiento artístico en el que se ha visto inmerso. La cultura artística es importante para enterder todo esto, pero como dice el texto, debemos tener una mente limpia, capaz de percibir cualquier indicio y hacerse eco de cualquier armonía oculta. Ésto es lo que debemos enseñar a nuestros alumnos para que sepan apreciar el artey disfrutar de él.

La belleza como proporción de armonía

Según el sentido común, juzgamos bella una cosa bien proporcionada. (Eco, 2004).

Desde la antigüedad, la belleza está asociada a la proporción. La idea de Pitágoras de la proporción a través de los números se ha ido transmitiendo desde la antigüedad hasta la Edad Media.

Los templos griegos siguen esta idea de proporción con sus columnas y las relaciones entre las distintas partes de las fachadas. Ésto se conoce como concepto geométrico espacial, relacionado a su vez con el número pitagórico. En la tetrakys pitagórica, hay un punto equidistante en el centro de un triángulo equilátero, así pues es dividido en otros triángulos equiláteros iguales y perfectos. Estas armonías aritméticas se relacionan con armonías geométricas. 

 

La armonía también está relacionada con lo masculino, lo femenino, la recta, el cuadrado, lo impar, lo par, etc. El equilibrio entre dos entidades opuestas se neutralizan mutuamente, porque se contraponen convirtiéndose en simetría.

Sin embargo, la Edad Media parece no atender a esta simetría, a las proporciones. Pero sí a las proporciones divinas de los números. Los artistas renacentistas recuperan las proporciones numéricas, representadas por el canon de Policleto. En el Renacimiento también se muestra entusiasmo por la belleza de la luz y del color.

El la práctica renacentista encontramos precisión en la teoría y en la práctica. Aparece aquí la representación en perspectiva, precisa, realista, bella y agradable a la vista. Según Tomás de Aquino, para que haya belleza debe haber proporción, claridad y consonancia. Él defiende el principio de la adecuación al fín al que está destinada la cosa; una relación correcta relacionada a su vez con la inteligencia. La proporción, pues, es un principio metafísico que explica la unidad del cosmos. Al equilibrio renacentista le seguirá el manierismo. El mundo será visto desde un punto de vista geométrico.

Nos gusta lo perfecto y equilibrado y es ahí donde vemos la belleza de las obras. Pero no debemos quedarnos en esa idea. Aunque tengamos la concepción de un mundo en armonía, la realidad de la naturaleza es bien distinta. Sólo aprendiendo a valorar esa “imperfección”, valoraremos la belleza de todas las cosas que nos rodean.

En nuestra clase debemos trabajar con nuestros alumnos todas las formas de representación, equilibradas y perfectas y asimétrias e imperfectas. Sólo así nuestros niños aprenderán a valorar lo que les rodea.

TEMA 3. PEREPCIÓN, EXPRESIÓN Y COMUNICACIÓN.

Imagen y realidad

La realidad se hace visible al ser percibida. Así pues John Berger utilizó la televisión para mostrarnos el arte, mediante el poder de las cámaras. Después lo mostró todo en un libro. Modos de Ver mostraba salas del National Gallery dejando un silencio para que el espectador hiciera su propia interpretación de la obra. De este modo, establecemos que la vista es fundamental para entender el arte.

Toda imagen encarna un modo de ver. Una imagen sobrevive al objeto representado, por lo tanto muestra el aspecto que ha tenido algo o alguien y como lo han visto otras personas. Las imágenes, pues, son más ricas que la literatura.

La composición de un cuadro contribuye a la fuerza de su imagen. Un reproducción, además de hacer referencias a la imagen, se convierte en punto de referencia para otras imágenes.

Los cuadros originales son silenciosos e inmóviles. Nuestro acto de mirarlo acerca el cuadro a nuestro tiempo, lo que lo hace contemporáneo. Y es gracias a los medios de comunicación que nos hemos acercado a esas imágenes.

Relación del arte con el espacio

Ninguna imagen puede soportar sola el espacio cósmico o natural. Toda imagen necesita estar rodeada, necesita la seguridad de un interior. La imagen, pues, tiene su lugar.

Una imagen también está enmarcada, tiene unos márgenes que la contienen. De ahí la necesidad de la composición. El acto de componer consiste en situar unas formas en el interior de un espacio contenido, separado. Componer es colocar un interior. Así pues, la pintura tiene su lugar y su propia razón.

El modo como toda la pintura, al margen de épocas y tradiciones, interioriza, hace entrar, dispone como un hogar lo visible, es algo más que un simple complemento del acto de encerrar, de cercar, de la arquitectura; es una manera de salvaguardar las experiencias de la memoria y de la revelación, que son las únicas defensas que cuenta el hombre contra el espacio ilimitado. Lo que se pinta sobrevive bajo el cobijo de la pintura, al abrigo de lo que ha sido visto. El hogar de una pintura verdadera es este cobijo.

Mirar

Miramos todo lo que sobresale del perfil, el contorno, la categoría, el nombre de lo que es. Mirar es someter el sentido de la vista. La visibilidad es una cualidad de la luz. Mirar es reconocer, entrar en un conjunto. La visibilidad es una forma de crecimiento. Mirar es redescubrir la primacía de la visibilidad propiamente dicha.

El ojo es el que intercepta la relación continua entre la luz y las superficies que la reflejan y absorben. Los objetos separados son como palabras aisladas. El significado está en la relación que existe entre ellos.

En el aula

Nuestros alumnos deben conocer estos conceptos y cómo usarlos. La observación de obras de arte y la descripción de las mismas es muy importante. Pero debemos dejar que ellos lo vayan haciendo por si mismos. Los maestros somos sus guías en este proceso.

Los alumnos deben aprender a mirar el arte, lo que le rodea, lo que el artista quiso representar y hacer su propia lectura de las distintas obras de arte.

TEMA 4. Arte, educación y creatividad.

Ideología artística

La cultura deriva su carácter específico y su valor intelectual y mora de la forma que su materia adopta, de su estructura formal. La adquisición del conocimiento reside en la construcción del conjunto. El espacio y el tiempo son los elementos que permiten la interpretación y comprensión del símbolo.

Tenemos que analizar el espacio simbólico. El espacio simbólico constituye el estado de madurez de nuestra capacidad intelectual. El espacio abstracto es un proceso de desarrollo y evolución mental, tras abstraer la realidad y los conceptos.

Todas las producciones humanas artísticas surgen en condiciones históricas y sociales. El ojo artístico es constructivo. El arte es un fenómeno cultural , de carácter universal que afecta a todas las personas, grupos sociales y culturas. También es un elemento de expresión, por el que se relaciona la sociedad. El artista, pues, está implicado y condicionado por la realidad sociocultural de su ambiente.

Definición de Arte

Usualmente se tiende a dar una idea liberal y amplia de lo que se entiende por arte, que unas veces va hacia un significado general y otras con significados particulares más relacionados con unas habilidades, productos o especificaciones.

En el término Educación Artística confluyen acepciones como expresión plástica, musical, corporal, dramatización, artes plasticas y visuales, música, dibujo, etc. En la educación se produce una adquisición de conocimientos y la vivencia de unas experiencias.

La actividad artística es, pues, una experiencia estética.

Aprendizaje Significativo

Cualquier aprendizaje siempre se estructura sobre situaciones originales de aprendizaje anterior y de este modo resulta significativo. Toda actividad humana comienza en la observación. Del mismo modo, el aprendizaje de nuevos conocimientos comienza con la observación de acontecimientos u objetos o ideas a partir de los conceptos previos que poseemos. La enseñanza tratará de construir el entramado estructural del conocimiento a partir de las proposiciones que forman los conceptos y estos, a su vez, el significado.

Planificación

Planificar y gestionar la educación artística supone estructurarla en un sentido relativamente objetivo, de modo que permita infromar sus propósitos instructivos, prácticos y lúdicos. Significa establecer el modo más preciso posible las conexiones y diferencias con las otras disciplinas y adecuarse a su propósitos. Y fundamentalmente, supone tomar conciencia del tipo d experiencias que en cada nivel educativo debe producirse.

La creatividad

El rasgo que distingue a la creatividad en todos sus aspectos es la novedad. La novedad que existe en un actividad o en una obra. Toda creatividad implica innovación. Algo es creativo cuando es nuevo o innovador.

Enlas artes plásticas, lo nuevo se representa como una ruptura de la tradición anterior. Para valorar el concepto de creatividad nos debemos apartar de la idea de la monovalencia. Algunos artistas hacen su contribución creadora por medio del tratamiento de elementos formales y otros a través de la selección y combinación de temas o contenidos; algunos lo hacen por un tratamiento de lo convencional y otros por medio de la creación de algo estrictamente nuevo.

Tema 5

Herramientas del lenguaje visual

El lenguaje visual es el código específico de la comunicación visual. El lenguaje visual se articula a través de dos grandes grupos de herramientas con las que construimos los significantes y significados de los mensajes y con las que organizamos, ordenamos y jerarquizamos esos elementos. A las primeras las llamamos herramientas de configuración y a las segundas herramientas de organización.

Herramientas de configuración

El tamaño

Se refiere a las dimensiones físicas del producto visual. Se selecciona en relación con la escala del espectador y Sigue tres criterios: el impacto psicológico, el efecto de notoriedad y la comodidad de manejo o de ubicación.

El impacto psicológico tiene que ver con la relación que se establece físicamente entre el espectador y la representación visual. Ante  una imagen pequeña, se establece una relación de predominio por parte del espectador, mientras que ante una grande se establece una relación de predominio por parte de la imagen. Cuando el producto visual es de gran tamaño y supera los límites de lo habitual, de manera que su visualización se convierte en un evento, al percibirlo estamos seleccionando el efecto de notoriedad. Por último está el criterio de comodidad, que también se puede llamar manejo o ubicación, que es el recurso más utilizado en la elección de la herramienta de tamaño, y que es seleccionado cuando el tamaño viene impuesto al creador de la imagen.

La forma

La forma es la determinación exterior de la materia, los límites exteriores del material visual. Se puede clasificar en dos grandes grupos: las formas orgánicas, que son habituales en el mundo natural y tienden a ser irregulares y ondulantes, y las formas artificiales de tipo geométrico que son, en su mayoría, creadas por el hombre y suelen ser regulares y rectas.

El constructor de imágenes puede trabajar a tres niveles de selección de la forma: del producto visual como objeto, del contenido del producto visual y del espacio que alberga el producto visual. La forma del producto visual como objeto se refiere a las características visuales de los límites físicos de representación visual. Con el término forma del contenido del producto visual, nos referimos a las características formales de los elementos que se encuentran dentro de dichos límites.

El color

El color es una herramienta visual cargada de información, por lo que constituye uno de los recursos más importantes para transmitir significados a través del lenguaje visual. Existen básicamente dos tipos de colores: los colores-pigmento, que son aquellos en los que se trabaja el color como materia y que se pueden tocar físicamente, y los colores-luz, de carácter intangible.

Los colores primarios que forman el subgrupo del color son el cian, el amarillo y el magenta, siendo el negro la suma de todos. En los colores luz, los primarios son el rojo, el verde y el azul y se mezclan mediante la síntesis aditiva, siendo la suma de todos ellos el blanco.

Para transmitir un mensaje es importante tener en cuenta la luminosidad, la saturación y la temperatura. Luminosidad se refiere a la cantidad de luz que posee un color. Saturación a los niveles de pureza del color en relación al gris. Y temperatura del color hace referencia a un fenómeno visual expresado en términos de sensaciones corporales.

La iluminación

La herramienta de iluminación transmite significado desde dos niveles: el tipo de iluminación que elige el autor y el tipo de luz que se utiliza para iluminar un objeto desde su exterior.

Los criterios de selección de la iluminación son cuatro: tipo de fuente (natural o artificial), cantidad (claves altas o bajas), temperatura (caliente o fría) y orientación (a favor de la lectura, a contralectura, picado o contrapicado).

La textura

Se denomina textura al material que se elige como soporte y construcción de la imagen y se define como la materia de la que está construido un producto visual.  Se trabaja con dos tipos de textura: la textura del soporte y la de los materiales que se aplican sobre el soporte.

Debemos hablar también de textura real y textura simulada o visual. En la real, la textura que percibimos con la vista se corresponde a la que percibimos con el tacto. En la simulada, lo que percibimos por la vista y el tacto no coincide. Otro tipo de textura, la ficticia, es la que engaña al receptor y le hace creer que el producto es de una calidad cuando realmente es de otra.

Herramientas de organización

La composición

Componer una imagen consiste en ordenar las herramientas en función del mensaje que se quiere transmitir, de manera que cada elemento encaje con todos.

Recursos para crear una composición reposada: constantes, simétricos, rectos, centrípetos, completos y centrados. Para crear una composición dinámica: inconstantes, asimétricos, oblicuos, centrífugos, incompletos y descentrados.

La retórica visual

La retórica visual es la herramienta de organización que se utiliza para interconectar los distintos significados de los componentes del producto visual. Así, hay un sistema de organización del lenguaje visual en el que el sentido figurado de los elementos representados organiza el contenido del mensaje. Se utiliza cuando se quieren emplear ciertos elementos de la comunicación visual para transmitir un sentido distinto del que propiamente les corresponde, existiendo entre el sentido figurado y el propio alguna semejanza donde establecer una referencia.

Las retóricas más empleadas se dividen en cuatro grupos: sustitución (metáfora, alegoría, metonimia, calambur, prosopopeya), comparación (oposición, paralelismo, gradación), adjunción (repetición, epanadiplosis, hipérbole, préstamo) y supresión (elipsis).

Tema 6

La fase esquemática, de 7 a 9 años

A los 7 años el niño ha desarrollado un símbolo satisfactorio para una persona y para los objetos que le son familiares. A este símbolo lo llamamos esquema si se repite una y otra vez. El esquema de un objeto puede estar determinado por la forma en que un niño ve algo, por la significación emocional asociada a ello, por las experiencias cenestésicas con el objeto, por las impresiones táctiles del mismo, o por cómo funciona o se comporta un objeto.

Las imágenes mentales que tiene un niño de los objetos de su entorno son el resultado de un proceso mental; el dibujo en el papel es el símbolo de esa imagen mental, el símbolo que representa al objeto. El producto artístico, por tanto una indicación de la forma en la que el niño comprendo e interpreta el espacio y los objetos.

El esquema consiste normalmente en figuras geométricas que pierden su significado cuando se separan del todo. Algunas veces, para hacer el cuerpo se usan óvalos, triángulos, círculos, rectángulos o formas irregulares y para las piernas, brazos y ropa otro tipo de formas.

Cuando un niño dibuja o pinta un paisaje, la línea básica puede usarse para simbolizar la base sobre la que descansan las cosas o para representar la superficie del paisaje. Los niños de esta edad raramente dibujan algo que no esté referido a la línea básica, incluso si aparecen dos o más líneas básicas en un dibujo.

Aunque la línea básica normalmente representa el espacio en los dibujos y pinturas, hay ocasiones en que una experiencia relevante obliga al niño a desviarse de este tipo de esquema. Éstas son las representaciones espaciales subjetivas. El plegado pertenece a esta categoría, expresando un concepto de espacio dibujando objetos que parecen estar cabeza abajo.

Hay otro modo interesante, no visual, de representar puntos de vista distintos que no podrían verse al mismo tiempo. Un niño puede describir simultáneamente el interior y el exterior de un edificio o recinto siempre que el interior tenga mayor importancia. Sin darse cuenta de la imposibilidad de tal concepto visual, el niño mezcla en interior y el exterior, concentrándose tanto en el interior que trata el exterior como si fuera transparente.

Las representaciones de tiempo y espacio incluyen en un dibujo secuencias temporales diferentes o impresiones espaciales distintas. Lo mismo que los niños inventan formas de mostrar objetos en dos y tres dimensiones, a veces haciendo uso del plano y el alzado simultáneamente, así inventan también formas de mostrar acontecimientos que ocurren secuencialmente. Según parece, los niños tienen distintas razones para desarrollar estas representaciones espacio-temporales, y es importante entenderlas ya que pueden construir una abundante fuente de recursos para la motivación.

Si hablamos de color y diseño, tenemos que decir que el niño descubre naturalmente que existe una relación entre el color y el objeto. Ya no es una elección aleatoria o emocional lo que decide qué color se elige para los objetos de una pintura. El niño dibuja ahora el medio de modo más objetivo y ha desarrollado relaciones espaciales definidas. También en el color el niño ha descubierto una relación determinada semejante. Lo mismo que se repite una y otra vez el esquema para una persona, también se repiten los mismos colores para los mismos objetos.

Tema 7

Aportaciones de la Educación Artística y desarrollo humano y al curriculum escolar.

Vamos a ver una serie de ideas  sobre la función artística y el desarrollo del niño que nos van a orientar para comprender y entender la función de la Educación artística y el desarrollo humano del niño. Así, vamos a ver la diferencia que hay en cuanto a consideración del arte dependiendo de las etapas, según Gardner (2011) .

En el siglo XIX se desarrolla un crecimiento mental, físico, social y emocional. Aparece aquí Piaget y su estudio del desarrollo del niño en edades escolares. Piaget hizo observaciones del desarrollo de la vida mental en niños y luego científicos llegaron a la conclusión que el crecimiento  es algo más que un cambio en el tiempo, y que el aprendizajes es algo más que una simple asociación. Se llegó a la conclusión que este desarrollo no sólo viene influenciado por el devenir del tiempo sino también  por el entorno social y escolar al que el individuo está sometido.

Un aspecto a tener en cuenta es que el arte está ligado a la simbología. Si una persona quiere estudiar o entender de arte, debe  aprender a descodificar toda una serie de símbolos que constituyen los conceptos artísticos básicos.

Otro estudio de Piaget se centra en la división del desarrollo del niño. Durante su primer año de vida, se adquieren los conocimientos a través de la interacción con los objetos físicos del entorno más cercano. Durante el segundo año, el niño comienza a conocer y dominar los sistemas simbólicos de su cultura. En la siguiente etapa evolutiva, el niño empieza a utilizar más conceptos y principios que ha ido adquiriendo y perfeccionando. Poco después, comienza otra etapa donde el uso de juegos y actividades con diferentes niveles es de vital importancia para el desarrollo del niño.

De este modo, se puede decir que el desarrollo humano se divide en diferentes etapas a niveles de crecimiento mental, físico, social y emocional. Dicha evolución es distinta en cada individuo, por ello, y para lograr un mejor desarrollo, los niños deben estar en contacto con el arte desde edades tempranas para fomentar la creatividad y su nivel de conocimiento sobre temas artísticos y elementos básicos relacionados con este campo.

Godman, por otro lado, presentó un conjunto de criterios de notacionalidades, como los usados en matemáticas, y las demás formas de simbolización. En 1967, el Proyecto Cero, decía que cuando las ciencias y las artes operan con símbolos pueden empezar un invento psicológico. Los que quieren participar en el arte tiene que aprender a descodificar y hacerse con el dominio de conceptos artísticos fundamentales.

El conjunto de las formas artísticas se pueden analizar de forma fácil en función de pocas formas de conocimiento. Los niños participan en el arte como creador y como preceptor, aunque en la primera infancia manifiestan formas de conocimiento contemplativo. El dibujo se puede dar tanto en el marco de la escuela como fuera de ella, incluso puede convertirse en un oficio. El autor también cree que intentar fragmentar todas las concepciones de las artes es bastante complicado. Lo que viene a decir el autor es que cuanto más fundamentales sean las actividades y proyectos artísticos, más vivo continuará siendo el modelo de aprendizaje y de oficios y más probable será que los estudiantes lleguen a apreciar el conocimiento y aprendizaje artísticos.

Podemos decir que la asignatura de Educación Artística tiene un papel vital en el desarrollo de nuestros alumnos. Debemos  conocer y dar a conocer la importancia de la Educación y dotar al alumno de conocimientos artísticos, aprender y sabes que es lo importante. Y por supuesto debemos fomentar el uso de la creatividad y de las tareas artísticas en los centros escolares como potenciador del desarrollo humano.

  

TEMA 8

 LA IMAGEN COMO RECURSO VISUAL EN LA SOCIEDAD CONTEMPORÁNEA 

La educación artística se diferencia del resto de las áreas, en que el núcleo de conocimiento que genera está basado en un lenguaje específico: el lenguaje visual. Para explicar qué está ocurriendo con el lenguaje visual, debemos saber cómo el arte ha ido evolucionando considerablemente en los últimos años. Con la llegada de los medios de comunicación y representación, el pasado artístico se ha visto reemplazado por un lenguaje de imágenes, donde lo que importa es quién lo usa y para qué. Donde aspectos ahora relevantes, difieren considerablemente de lo practicado en tiempos antiguos.

El texto hace uso del término “Hiper” para denominar a la sociedad de consumo. En el lenguaje visual podemos hablar de un hiperdesarrollo del lenguaje visual, es el uso del lenguaje visual para el consumo. Supone una sobreestimulación al ser humano a lenguajes visuales que le atraen hacia el consumismo. El software de retoque de imágenes ha afectado el hiperdesarrollo brutalmente; las fotos, películas u obras de arte ya no necesitan espacio físico real, porque se contemplan a través de una pantalla.

Se ha creado una necesidad dada por el lenguaje visual. Marcas como “Calvin Klein”o “Ikea”  hacen que la gente acude a sus tiendas no por la necesidad de comprar sus productos, si no por la necesidad de acudir a ese lugar o de llevar ese logotipo. Esto es debido a la hiperpublicidad o fuerza de las imágenes.

Por tanto decimos que vivimos dentro del mundo-imagen, de una serie de mundos visuales, paralelos al mundo real y construidos a través del lenguaje visual, que tienen una influencia en nuestras vidas cada vez mayor que la propia realidad.

Como docentes debemos de enseñar a nuestros alumnos a apreciar el arte en todas sus expresiones. Pero también debemos educarlos ante la cantidad de imágenes consumistas que se le plantean, para que aprecien el arte pero no caigan en sus ¨redes¨.

Tema 9

Departamentos de didáctica en instituciones culturales-artísticas

Según Tamariz (2002), la presencia constante de la imagen y del arte contemporáneo en la vida cotidiana, que penetra incluso en la escuela, implica el manejo de un lenguaje y unos códigos que no siempre se explican y enseñan correctamente.

Ya en el curriculum se dice que la Educación Primaria ha de potenciar el desarrollo de las capacidades necesarias para la realización de dos procesos básicos: el de la percepción de representaciones plásticas, musicales y dramáticas, y el de la expresión de sentimientos e ideas, a través de esos mismos medios.

Es fundamental acercar a los niños a los museos. Para ello, la mayoría de los museos poseen visitas guiadas para niños y adaptaciones didácticas. En el artículo se expone el material pedagógico que tiene el Centro de Arte Reina Sofía para distintas obras de arte.

Un cuaderno con un trozo del Guernica es una guía para alumnos de Secundaria. El objetivo es conocer y valorar el arte del s XX y el patrimonio cultural y artístico. Hay actividades para antes, durante y después de la visita. Se pretende que el alumno pueda usar el cuaderno durante la visita y que reflexione mediante preguntas sobre aspectos formales y estéticos, afinando su capacidad de percepción y comprensión visual.

Otro cuaderno, también dirigido a Secundaria y Bachiller, pretende que la visita sea una experiencia de conocimiento intelectual, de lectura y de reflexión a través de las obras de arte. Los contenidos relatan la vida y procesos creativos de Louise Bourgeois. A diferencia del anterior, éste cuaderno carece de actividades que hagan reflexionar al alumno.

En el cuaderno “Tàpies y 7Tàpies” el trabajo va dirigido a alumnos de la ESO, centrado en la última exposición del autor. Explica obras de periodos distintos, con un texto claro y sintético, para que los alumnos puedan asimilar mejor los conceptos. En unos pocos párrafos el artista invita a los alumnos, con sensibilidad e inteligencis, a trascender la apariencia de las cosas y a mirarlas con la falta de prejuicios de un desconocido.

Antes de la visita, se le proporciona al maestro una guía metodológica para que se trabaje en clase, para que el trabajo quede desarrollado en 3 partes. En las sesiones posteriores a la visita, el alumno podrá trabajar con distintos materiales para afianzar conocimientos. Los alumnos, así, podrán trabajar con texturas, fotografías, composiciones, etc.

En mi opinión es fundamental que los alumnos se acerquen al arte y no lo vean sólo en papel. Tienen que aprender a apreciarlo y a entenderlo. En clase hay que contextualizar, enseñar todo lo referente a aspectos teóricos y culturales. En todas las ciudades hay visitas guiadas para niños en varios museos, con muchos materiales y actividades para realizar con los alumnos.

Tema 10

Didáctica de la expresión plástica o expresión artística

La Didáctica de la Expresión Plástica (DEP) estudia el conjunto de las actividades formativas y educativas que se producen en diferentes instituciones y agencias sociales como museos, fundaciones, galerías de arte, medios de comunicación, etc. y en el conjunto de las sociedades contemporáneas. También se ocupa del aprendizaje del alumnado en edad escolar y de cualquier tipo de personas, profesionales, adultos, etc.

La DEP trata de cualquier tipo o sistema de comunicación visual o de manifestación artística, desde el grabado a las vídeo-instalaciones, la cerámica, la moda o los graffity. Aparte, la DEP se pregunta cómo hay que enseñar las artes visuales, qué cultura visual hay que desarrollar, cuándo hay que hacerlo, en qué circunstancias y contextos, con qué medios e instalaciones, etc. En definitiva, para qué aprender y por qué educarse artística y estéticamente.

El término de Didáctica de la Expresión Plástica ha creado problemas, ya que no se corresponde con lo que se trabaja o debe trabajarse según el curriculum. Otro término asociado a esta disciplina es el de Educación Estética. Ésta última incluye todas las manifestaciones artísticas: música, danza, literatura, poesía, etc.

Por lo tanto, podemos decir que la DEP es una disciplina o conjunto de disciplinas y saberes, cuyo objeto de estudio es el aprendizaje artístico y su función básica es la formación del profesorado de artes visuales. Desde una perspectiva funcional la DEP debe formar artística y estéticamente al conjunto de la población y formar artistas y profesionales de las artes visuales.

Los temas de contenidos o bloques de la DEP son los siguientes:

-               Creatividad y Percepción visual.

-               Dibujo y arte infantil.

-               El aprendizaje Artístico.

-               Educación Estética.

-               Historia de la Educación Artística.

-               La Educación Artística en el sistema educativo.

-               La Educación Artística y estética en las instituciones artísticas y culturas, así como en los medios de masas.

-               Diseño curricular en E. A.

-               Enseñanza y Aprendizaje de las principales disciplinas artísticas (Pintura, Escultura, Cerámica, Publicidad, Fotografía, Cine, etc.)

-               La enseñanza y aprendizaje de los principales conceptos de las artes visuales (color, espacio, proporción, etc.)

-               Investigación (metodologías, técnicas y temas)

La asignatura de Educación Artística está presente en todos los niveles y ciclos del sistema educativo, aunque sólo encontramos profesorado especialista en el último nivel.

-          Educación infantil (0-6 años)

-          Educación primaria (6-12 años)

-          E.S.O. (12-16 años)

Una vez terminada la Enseñanza Obligatoria, las enseñanzas artísticas se diversifican en tres direcciones principales:  El Bachillerato Artístico, las especialidades vinculadas a las artes visuales en la Formación Profesional, las enseñanzas de Artes Plásticas y Dibujo que imparten las Escuelas de Arte.

Como hemos observado en otros temas, nos encontramos con muchos problemas a la hora de impartir esta asignatura. Lo primero y principal es la falta de carga curricular de la asignatura en Primaria y ESO, además de pocas concreciones. Otro problema, muy importante es la falta de profesorado experto en la materia.

Como maestros, si vamos a impartir esta asignatura, deberíamos formarnos un poco más, para poder transmitir a nuestros alumnos el arte, que aprendan a valorarlo y a expresarse artísticamente. O bien, que en los centros educativos existan expertos en la materia y que enseñen a los alumnos como se enseña otras disciplinas. Nos queda un largo camino por recorrer aún.

TODAS MIS LÁMINAS ARTÍSTICAS

Papel Rasgado

Ampliación con cuadrícula

Caracterización

Artistas por descubrir

Técnicas de ampliación sin retícula

Mezclas de color con acuarelas

Digigarabatos

 

Arcilla

Deconstrucción de un jarrón

Aquí os dejo mi accidentada obra de arte con arcilla. Sufrió un accidente en el secado y se me dividió en dos. Así que he decidido que forme parte del arte adstracto o contemporáneo.

Creo que puse demasiada arcilla y era muy fina. Con lo que se venció y se partió.