Imaginar y Crear: Laura Culiáñez Márquez

RESUMEN DE LOS ARTÍCULOS Y FOTOGRAFÍAS DE LAS LÁMINAS

RESUMEN DE LOS ARTÍCULOS

TEMA 1

ARTÍCULO: LA EXPRESIÓN PLÁSTICA COMO PRODUCTO CREATIVO DEL LENGUAJE IV

AUTOR: JUAN DELGADO TAPIA

PARADOJA EN LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA.

Por un lado, nos encontramos como paradoja que nuestro sistema educativo pretende que el alumnado adquiera una competencia cultural y artística, plasmada en el área de la expresión artística se utiliza para su puesta en marcha en el aula un método en el que el alumnado no puedo reflejar totalmente su creatividad. Y, por otro lado, nos encontramos la paradoja de considerar la actividad plástica como acumulación de destrezas, y no como la utilización de un lenguaje plástico-visual.

¿Qué nos ha llevado a esta situación en el Sistema Educativo?. La Educación Visual y Plástica no se le da tanta importancia a nivel social cómo es el caso de las áreas instrumentales (lenguaje, matemática y conocimiento del medio). Y la falta de preparación específica del profesorado.

LA EVOLUCIÓN INCONSISTENTE DE LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA EN ESPAÑA.

Antes de los años 70 la plástica se consideraba una actividad para desarrollar habilidad manual y destreza para el dibujo. Hoy en día con la LOGSE todavía se continúa trabajando con este patrón. A partir de los 70, principalmente con las aportaciones de Victot Lowenfeld se produjo un cambio en la concepción, ya que se pretende favorecer la expresión individual y desarrollar la faceta motivacional del profesorado, y su papel para proporcionar recursos y materiales. A finales de los 80, en nuestro país existen profesionales, que pretendes en convertir el área en una disciplina artística dotándola de contenidos propios.

EL FUTURO HACIA UNA EDUCACIÓN CREATIVA INTEGRAL MEDIANTE EL LENGUAJE PLÁSTICO-VISUAL.

El lenguaje se entiende como compresión y expresión, pero si pretendemos desarrollar el lenguaje visual hay que desarrollar el saber ver (capacidad de recibir), y el saber hacer (capacidad de emitir). Por lo tanto, para que lenguaje visual desarrolle la creatividad en necesario trabajar el lenguaje en sus tres vertientes: interiorización-reflexión, reflexión-trasformación, expresión-comunicación.

De lo expuesto anteriormente nos encontramos con dos modelos de formación docente:

1. El sólo utiliza materiales y técnicas de plástica.

2. El que aplica procesos creativos.

ARTÍCULO: EDUCACIÓN ARTÍSTICA: PROPUESTAS PARA LA FORMACIÓN DEL PROFESORADO EN LOS NUEVOS ESTUDIOS DE GRADO.

AUTORA: CARMEN ALCAIDE

Siguiendo las bases establecidas de la Comunidad Europea en lo referido a los estudios universitarios queda cada vez más alejada la especialidad de magisterio en “Educación Artística”, ya que la tendencia es a unificar, y no a crear especialidades.

Actualmente, nos encontramos con dos limitaciones:

1. El tiempo dedicado a la Educación Artística en Educación Infantil y Primaria es muy limitado.

2. Escasa formación específica del profesorado en el área o materia.

Para superar estas dificultades sería necesario plantear un modelo universitario tuviese Grados específicos en Artística, Música, Visuales centrándose en Primaria, entre otros.

EVALUACIÓN CRÍTICA

Nuestro Sistema Educativo se ha visto envuelto en varios cambios legislativos, y aunque actualmente se habla de formar en un aprendizaje creativo y funcional par la vida, la realidad es que se continua dando escasa en importancia en el currículo a la Educación Artística, y ello queda reflejado en el número de horas destinadas a su enseñanza en Educación Infantil y Primaria.

Considero que todo es un círculo vicioso, y es por ello por lo que no existe una formación específica en el profesorado, lo que conlleva a seguir métodos ya establecidos para trabajar con el alumnado, lo que los perjudica desde Infantil al quedarse limitados en desarrollar la creatividad al seguir un trabajo marcado por una editorial.

TEMA 2: LA APRECIACIÓN PLÁSTICA DE ESTILOS ARTÍSTICOS. LA NECESIDAD DE JUICIOS CRÍTICOS.

TÍTULO: HISTORIA DEL ARTE. EL ARTE Y LOS ARTÍSTAS

NOMBRE DEL AUTOR: GOMBRICH, E.

· IDEAS PRINCIPALES DEL ARTÍCULO.

En la introducción el autor manifiesta que no hay arte, sino artistas que han plasmado sus obras a lo largo de la historia, según los materiales han tenido a su disposición, es por ello que las manifestaciones artísticas han cambiado con el paso de los años. Es probable que las personas que no entiende de arte les gustes aquellas obras que asocian con algún elemento o vivencia de su realidad, de tal forma que no aprecian la belleza de otras obras y esto puede ser un error. Por otro lado, nos encontramos aquellos que pretenden ver en las obras algún elemento asociado a la realidad. El artista moderno no asocia imagen a realidad, ejemplo de ello son las obras de Disney dónde un personaje animado no se parece en nada al real. En estas dos imágenes se puede ver la diferencia de la pintura real a la imaginaria:

Hay obras que interpretaban una realidad, como por ejemplo las carreras de caballos, y que al aparecer la cámara fotográfica se dieron cuenta que los movimientos de los animales eran mucho más complejos, y que le humano no era capaz de apreciarlos. Para un artista cualquier detalle de su obra tiene mucha importancia, combinación de colores, formas, tamaños, espacios... buscando el equilibrio de la obra.

Como bien dice el refrán “sobre gustos no hay nada escrito”, así que cada persona tendrá su visión de la obra y, pudiendo realizar criticas.

·
EVALUACIÓN CRÍTICA.

Estoy muy de acuerdo en la totalidad del artículo, el ARTE en mayúsculas en cualquier obra creada por un artista, en la que plasma una imagen real, irreal… Podemos apreciar la evolución del arte con el paso de los siglos, desde las primeras pinturas realizadas en cueva y que eran imágenes de los animales que cazaban, a las obras de arte que nos encontramos actualmente. Siendo todas ellas manifestaciones artísticas pero de distinta época. Otra cosa muy distinta en la opinión personal de cada uno ante una obra.

TÍTULO: LA BELLEZA COMO PROPORCIÓN Y ARMONÍA.

NOMBRE DEL AUTOR: GOMBRICH, E.

IDEAS PRINCIPALES DE ARTÍCULO.

Desde la antigüedad se relacionó el arte con la proporción y las matemáticas. La armonía musical estaría asociada con lo bello. Las relaciones de las dimensiones de la arquitectura griega van a estar relacionadas con las mismas relaciones que regulan los intervalos musicales. Con Pitágoras comenzó esta concepción, que también la encontramos con Plantón, y que continuarán en la Edad Media y el Renacimiento. En el arte griego se otorga gran importancia a la simetría, a los cánones de belleza, reflejando en sus esculturas cuerpos perfectos, en los que quedan bien definidos músculos y venas. En la Edad Media no se aplica una matemática de las proporciones en la reproducción del cuerpo humano, sino que el ser humano es como un cosmos, donde la naturaleza en muchos casos de divide en cuatro partes. El cuatro será el número de la perfección moral. El cinco son las esencias de las cosas. La teoría de la proporción siempre ha estado vinculada a una filosofía de sello platónico. En el renacimiento nos vamos a encontrar las mismas proporciones en los cuerpos humanos aunque las representaciones sean diferentes.

El sentido de la proporción corporal y musical ha ido cambiando a lo largo de las épocas, pero la belleza no tiene porque ir ligada con la proporción y el equilibrio de las obras. Por eso, el equilibrio renacentista será sustituido por la inquietud del manierismo.

EVALUACIÓN CRÍTICA.

Bien en cierto, que ha sido muy importante la proporción y las matemáticas desde el arte griego, haciendo cuerpos perfectos y bien definidos, o con las mismas medidas. En la arquitectura ha sido igual, un ejemplo de ello son los rosetones de las catedrales. Esta idea de proporción ha cambiado aunque hoy en día también es importante seguir criterios matemáticos en la realización de las obras, principalmente en la arquitectura. También, en la pintura siempre el autor hace que desviemos nuestra atención hacia dónde él lo desea focalizado más un punto del cuadro, bien por la luz, la posición…

Formas de llevar el tema a la E.P

Como hemos visto a lo largo del primer artículo al alumnado se le enseña de qué color son las cosas, ejemplo: el mar es azul, sin embargo la realidad es muy distinta porque su color dependerá de cómo releje la luz del sol en él. Pero los en primeros curso de primaria a el alumnado hay que enseñarlo a asociar un color a un objeto y así, de este modo vayan acercándose a la realidad que le rodea.

TEMA 3

ARTÍCULO: MODOS DE VER

AUTOR: BERGER, J. (2010)

· EL PRESENTE ESTÁ SOLO.

Lo visible es el conjunto de imágenes que el ojo crea al mirar, pude estar iluminado u oculto pero una vez que se aprende forma parte de nuestro medio. Actualmente, con la cámara de televisión, ordenador, microscopio podemos ver imágenes nunca vistas. A principio de los 70 Berger, en su programa de televisión Modos de ver utilizó la televisión para mostrar el poder de las cámaras para desarticular la unidad de significado que cada obra representa. En 1972 Modos de ver se convirtió en un libro. Berger paseó la cámara por salas de National Gallery de Londres sin acompañarlas de sonido. El silencio de esas imágenes televisadas es más potente incluso que su forma o su color. Se trata de un silencio necesario para que las pinturas hablen y el espectador pueda oírlas y, al hacerlo, se oiga a sí mismo. En lo libro también la imágenes están mudas pero en este caso es el lector el que maneja el tiempo que emplea en ver la imagen.

La vista llega antes que las palabras. El niño mira y ve antes de hablar. Lo que sabemos o lo que creemos afecta al modo en que vemos las cosas. En la Edad Media, cuando los hombres creían en la existencia del Infierno, el fuego significaba algo distinto a lo que significa ahora. La naturaleza recíproca de la visión es más fundamental que la del diálogo hablado, ya que nosotros cuando vemos también nos damos cuenta de que podemos ser vistos. Toda imagen encarna un modo de ver, es decir, aquello que la persona que no acerca esa imagen quiere que nosotros veamos, pero bien es cierto, que nuestra apreciación o percepción de una imagen va a depender de nuestro propio modo de ver. Cuando a las personas se le presenta una imagen como una obra de arte, la miran condicionados por una serie de hipótesis aprendidas: belleza, verdad, genio… A los cuadros se les da una importancia psicológica y social, al observar las personas, los rostros, intenciones, lo que nos convencía a que podemos conocer a la persona retratada.

La invención de la cámara cambio el modo de ver de los hombres, y esto se reflejó también en la pintura. Para los cubistas lo visible no era lo que había frente a un solo ojo, sino la totalidad de las vistas posibles a tomar desde puntos situados alrededor del objeto. La cámara al reproducir una pintura destruye la unicidad de la imagen.

· EVALUACIÓN CRÍTICA

Cierto es que lo visible es aquello que el ojo puede apreciar al mirar, así como que los avances en las nuevas tecnologías de la información nos han acercado a imágenes inéditas que han facilitado la investigación en distintos campos como pueden ser el arte o la ciencia. Pero, es una realidad que vemos aquello que la persona que nos aporta la imagen quiere que veamos, depende de los conocimiento previos y crítica de cada una nuestra propia forma de ver.

TEMA 4

ARTÍCULO: ARTE, EDUCACIÓN Y CRATIVIDAD

AUTOR: ARAÑÓ GISBERT, J.C. (1994)

1. EL PROBLEMA DE UAN IDEOLOGÍA ARTÍSTICA: ARTE, SÍMBOLO Y CULTURA.

La cultura es entendida como un conjunto de “forma simbólicas”, es decir, acciones intencionadas, objetos y expresiones de varios tipos producidos, transmitidos y recibidos en contextos socialmente específicos e históricamente estructurados utilizando procesos igualmente específicos para tales contextos. El arte desde una perspectiva sociológica y antropológica, lo podemos considerar como un fenómeno cultural, de carácter universal que afecta a todas las personas, grupos sociales y culturas.

2. LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA.

El concepto de educación, en su acepción sociológica se nos presenta como un perfeccionamiento de la persona (Durkheim, 1983). Este perfeccionamiento se produce en los seres inteligentes con la coordinación de sus movimientos a la vez que desarrolla su mente y todo ello contribuye a la adquisición de conocimientos como una reafirmación de sí mismo en relación con la naturaleza. Actualmente, en nuestra legislación educativa cobra gran importancia el aprendizaje significativo frete al memorístico. A través del aprendizaje significativo el alumno aprende los nuevos contenidos relacionándolos con los conocimientos previos adquiridos.

El arte es entendido en el sentido educativo como una actividad humana consciente en la que el individuo se manifiesta plenamente capaz de intervenir y/u observar su contexto, como resultado de esta intervención reproduce cosas y/o ideas manipula formas y/o ideas de modo creador, y/o expresa una experiencia. “La cultura es el vehículo mediante el cual los niños adquieres los conceptos que han sido construidos a lo largo de los siglos” (Novak, J.D y Gowin, D.B., 1973).

El concepto de creatividad se ha ido modificando a lo largo de los siglos. En el siglo XIX es cuando el término “creator” se incorporó al lenguaje del arte, y se convirtió en un sinónimo de artista. En el siglo XX, la expresión creativo empezó a aplicarse a lo largo de todas las cultura occidentales, se hablaba de creatividad en las ciencias, política, educación, etc. No sólo el artista podía ser creativo, sino también las personas activas de otros campos de la cultura, siendo posible la creatividad en todos los campos de la producción humana. El rasgo que distingue la creatividad en todos los campos, es la novedad, pero no todo lo novedoso tiene que ser creativo.

Existen cuatro tipos de conducta creadora:

a) la conducta que no acepta límites.

b) la conducta inventiva.

c) la conducta que supera los límites.

d) la conducta organizador estética.

EVALUACIÓN CRÍTICA

El término creatividad ha sufrido modificaciones a lo largo de la historia, y toda vía continua siendo difícil su definición en cualquier campo o área. El alumnado creativo es aquel que es capaz de imaginar, realizar actividades por intuición, iniciativa propia. Para ello será necesario de que tenga destrezas y habilidades suficientes para su realización. En este momento el profesor será un mero guía del alumnado.

TEMA 5

ARTÍCULO: EL LENGUAJE VISUAL

AUTOR: ACASO, M. (2006)

El lenguaje visual se articula a través de dos grandes grupos de herramientas con las que construimos los significados y significantes de los mensajes, y con las que organizamos, ordenamos y jerarquizamos esos elementos.

HERRAMIENTAS DE CONFIGURACIÓN.

TAMAÑO	Impacto psicológico: relación física que se establece entre el espectador y la representación visual. Efecto de notoriedad: producto visual de gran tamaño. Comunidad de manejo o de ubicación: el tamaño viene impuesto.
FORMA	Formas orgánicas: son habituales en el mundo natural, son irregulares y ondulantes. Formas artificiales: creadas por el hombre, son regulares o rectas.
COLOR	El color proporciona mucha información visual, hay dos tipos de colores. Los colores-pigmento: clan, amarillo, magenta, y los colores-luz: rojo, verde y azul. Luminosidad: cantidad de luz que tiene un color Saturación y desaturación: nivel de pureza del color en relación al gris. Temperatura: fenómeno visual expresado en términos de sensaciones corporales.
ILUMINACIÓN	Tipo de fuente: natural o artificial. Cantidad: claves altas, imágenes con mucha luz y claves bajas, cuando tiene poca luz. Temperatura: caliente (luz anaranjada) y fría (luces eléctricas) Orientación: dirección de la luz a favor de la lectura, contralectura, picado o contrapicado.
TEXTURA	Materia de la que está constituido un producto visual, así como la representación visual de cualquier materia. Textura de soporte y textura de los materiales que se aplican sobre el soporte.

HERRAMIENTAS DE ORGANIZACIÓN.

COMPOSICIÓN	Ordenar las herramientas según el mensaje que se quiere transmitir, encajando todos los elementos para que formen un todo.
RETÓRICA VISUAL	Se utiliza para interconectar los distintos significados de los componentes del producto visual. Figuras básicas de la retórica visual, igual que el lenguaje escrito: sustitución (metáfora, alegoría, metonimia, calambur y prosopopeya) comparación (oposición, paralelismo, gradación), adjunción (repetición, epanadiplosis, hipérbole, préstamo) y supresión (elipsis).

El aprender a ver se puede comparar con el aprender a conducir, ya que es un proceso cuyo aprendizaje comenzará haciéndose de forma consciente, lenta y sistemática, para pasar a ser un proceso rápido y automático.

EVALUACIÓN CRÍTICA

Para transmitir el lenguaje visual existen dos tipos de herramientas: de configuración y de organización. A través de ellas damos sentido a la imagen que queremos mostrar, modificando el tamaño, efectos del color, soporte utilizado, etc. Un ejemplo de ello lo podemos ver en los anuncios de productos tanto en televisión como en revistas, dependiendo del objeto que se anuncie, a quienes quieren dirigir el producto utilizan un color predominante, seleccionan un mensaje determinado, el tamaño del anuncio con el objetivo de hacernos llegar la imagen para comprar el producto. Pues, con el arte sucede lo mismo. Los artistas desean que sus obras nos dejen asombrados.

TEMA 6

ARTÍCULO: Desarrollo de la capacidad intelectual y creativa.

Capítulo 8: La conquista de un concepto de la forma.

AUTOR: LOWENFELD, V. y LAMBERT, B. (2008)

Importancia de la fase esquemática

Después de experimentar el niño desarrolla un símbolo satisfactorio para una persona y para los objetos que les son familiares. A este símbolo lo llamamos esquema. El esquema de un objeto puede estar determinado por la forma en que un niño ve algo, por la significación emocional asociada a ello, por las experiencias cenestésicas con el objeto, por la impresión táctil del mismo, o por cómo funciona o se comporta el objeto. Las imágenes mentales del niño sobre un objeto de su entorno son resultado de un proceso mental. Los niños llegan a la fase de los esquemas a los 7 años.

Características de los dibujos esquemáticos

Esquema humano: la representación de las partes del cuerpo depende del conocimiento que tienen de ello. Estará la cabeza, tronco, separará los pies, símbolo de la nariz diferente de la boca.

Esquema espacial: existe una consciencia de un orden definido en las relaciones espaciales. Este conocimiento se expresa colocando todo en una línea básica.

Línea básica como parte del paisaje: simboliza la base sobre la que descansan las cosas o para representar la superficie de un paisaje.

Las representaciones en rayos X: un niño pude describir simultáneamente el interior y el exterior de un edificio. El niño mezcla tanto el interior y el exterior, finándose tanto en el interior que el exterior se queda como si fuese transparente.

Representaciones de tiempo y espacio: incluyen en un dibujo secuencias temporales diferentes o impresiones espaciales distintas. Uno de sus objetivos es contar historias.

Significado del color y el diseño: El niño descubre de forma natural la relación entre color y objeto. Dibuja el medio de forma más objetiva y establece relaciones espaciales. De la misma forma que se repite el esquema para una persona se repiten los mismos colores para los mismos objetos. Tiene la capacidad de agrupar cosas por categorías y de generalizar. “¿de qué color es el cielo?” ”el cielo es azul”. La mayoría de los niños utiliza colores comunes para objetos concretos pero cada uno desarrolla relaciones cromáticas personales. La primera relación significativa con un objeto puede determinar un esquema de color.

Desarrollo del niño en Primaria.

La aparición de un esquema determinado en un niño pude proporcionar a un adulto ideas muy valiosas sobre el desarrollo del niño. La diferencias entre la fases preesquemática y esquemática se ven muy claras en E.I y E.P. La fase previa al desarrollo esquemático no requiere de juegos colectivos, concepción de los otros. Con la introducción de la línea básica podemos hacernos a la idea de que es posible comenzar con un programa de inicio a la lectura.

Los dibujos esquemáticos como reflejo del desarrollo.

Una de las indicaciones del crecimiento del intelecto infantil es la percepticón cada vez mayor del mundo de alrededor. El conocimiento activo del niño revela su concepto del mundo que lo rodea y su interés por ello, y esto es lo que se expresa en los dibujos. Los niño su producto de su herencia genética y de su ambiente, lo que significa que hay que esforzarse por proporcionar un ambiente rico y estimulante. Hacia el fin de la fase esquemática los dibujos van a estar más influenciados por la percepción visual.

Motivación artística

El docente deberá utilizar un tipo de motivación diferente dependiendo de la edad del alumnado.

Tema

Hay muchos temas en los que la acción cobra un papel fundamental. Empezar con nosotros, añadir acción y seguir con dónde son aspectos esenciales de nuestra experiencia

Materiales artísticos

Hay que seleccionar aquel material que el niño está preparado para utilizar.

EVALUACIÓN CRÍTICA

A lo largo de este documento hemos aprendido en qué consiste la fase esquemática, y de qué forma afecta al desarrollo del niño, concretamente en la influencia que ejerce está en la expresión artística. A lo largo de esta fase el niño desarrolla un mayor esquema corporal, realiza una línea básica sobre un paisaje estableciendo un orden de las relaciones espaciales. Como maestro tenemos que tener en cuenta la fase en la que se encuentra el niño para utilizar un tema y materiales que los motive y con los que puedan ser lo más creativos posible.

TEMA 7

ARTÍCULO: GARDNER, H. (2011) Educación Artística y desarrollo humano, Paidós.

Videos de modo individual

Orientaciones didácticas. Los contenidos de la enseñanza de Bellas Artes han sufrido modificación a lo largo de estos últimos años. Actualmente, un profesor se centra en aspectos didácticos de las artes desde puntos de vista teóricos para enseñar al alumnado de E.I y E.P.

Necesidades de la educación artística. A la educación artística no se le da la importancia que tiene, pero el mundo en el que nos movemos necesita que cualquier cosa que se vaya a fabricar se dibuje previamente. La educación artística es necesaria por dos razones: histórica, porque a través de la historia vemos la latencia del arte, y biológica ya que cualquier niño siente la necesidad de dibujar de forma creativa.

Educación Estética y Educación Artística. Reflexiones para una enseñanza creativa. La globalización actual requiere que las personas fomenten su creatividad al producirse cambios muy rápidos en todos los productos que siempre son novedosos. Cultura estética y cultura artística: con la estética aludimos a la belleza que se expresa a través del arte y la naturaleza. A través de la dimensión estética reconocemos el valor de la percepción, del darse cuenta de las impresiones recibidas tanto si nos hacen gozar como si no. La expresividad será la base de todas las artes y su lenguaje son la metáforas que pueden llegar a producir un sentimiento de la persona que lo siente. Con la utilización de la dimensión estética en la educación artística podemos desarrollar en el alumnado aumento de vocabulario expresivo, ampliación de registro sensoria, formación de juicio estético, etc. En la intervención en el aula hay cuatro momentos que empujan al alumno a reaccionar ante los estímulos del proceso creativo: sensibilización, identificación, desarrollo y producto.

La dimensión valor en la educación artística. Existe una diferencia a la hora de enseñar la educación artística en todo el mundo, va a depender de la historia, creencias y valores de cada cultura. Los métodos en la educación artística van a ser muy variados.

Perspectivas de desarrollo en las artes. La habilidad artística se enfoca ante todo como una actividad de la mente que involucra el uso y la transformación de diversas clases de símbolos y de sistemas de símbolos. Las personas que quieres participar de forma significativa en la perspectiva artística deben aprender a descodificar los diversos vehículos simbólicos presentes en la cultura.

EVALUACIÓN CRÍTICA

Hoy en día el profesorado que imparte Educación Artística no tiene una cualificación específica para ello y, tampoco se le da la importancia la misma importancia a esta área como a las instrumentales. Sin embargo, es necesaria la formación de personas creativas en el mundo globalizado en el que nos movemos

TEMA 8

ARTÍCULO Y AUTOR: BERGER, J. (2010) Modos de ver. Gustavo Gil, Barcelona, CAPÍTULO 7.

DOMINGUEZ TOSCANO, P. M. (1996) “Hacia una alfabetización audiovisual: el trasfondo de la

imagen”, Comunicar: Revista científica iberoamericana de comunicación y educación, no. 6, págs.

123-128

El mundo en el que vivimos está lleno de imágenes publicitarias, no hay otro tipo de imágenes que se nos presenten con tanta frecuencia. Podemos olvidar o recordar estos mensajes pero los captamos por un momento. Estamos tan acostumbrados a ellas que apenas notamos su impacto.

Con la publicidad una empresa compite con otra, pero es cierto que toda imagen publicitaria confirma y apoya las demás. La publicidad es en sí misma un mensaje, que se utiliza para alcanzar el mismo objetivo general. La publicidad nos quiere llevar a la transformación de personas envidiable. Se va a centrar en el futuro comprador, ofreciéndole una imagen de sí mimo fascinante si utiliza el producto, para ello la publicidad empieza actuando sobre los apetitos naturales.

¿Tiene el lenguaje de la publicidad algo en común con la pintura al óleo?

En la publicidad hay muchas referencias a obras de arte del pasado, debido a dos fines: el arte forma parte del mobiliario que el mundo atribuye al rico y sugiere una autoridad cultural, una especie de recordatorio de lo que significa un europeo culto.

La fotografía en color va a significar para el espectador-comprados lo que el oleo al espectador-propietario, ya que tienen como objetivo representar lo que podría ser real.

Pero la función de la pintura al óleo es muy distinta de la publicitaria. La primera muestra lo que su dueño estaba disfrutando en ese momento, y la segunda tiene como propósito que el espectador se sienta insatisfecho con su modo de vida. La publicidad no fabrica sueños se limita a decirnos que no somos envidiables todavía…pero podríamos serlo. La publicidad es la vida del capitalismo y al mismo tiempo su sueño.

EVALUACIÓN CRÍTICA

En este artículo se refleja la importancia de la publicidad y los efectos desean transmitirnos a través de ella. La publicidad se encuentra a cada paso que damos, en carteles, anuncios, revistas, propaganda, televisión, internet… La utilizan como reclamo del consumo de determinado producto por parte del comprado.

La publicidad tiene relación con la pintura al oleo en que sus autores quieres reflejar una realidad pero la gran diferencia es que la publicidad tiene un propósito distinto, manejar esa realidad para su beneficio propio y con la pintura al oleo, el pintor refleja lo que él ve en ese momento.

TEMA 9

ARTÍCULO Y AUTOR :

BARBE GALL, F. (2009) Cómo hablar de arte a los niños, Editorial Nerea.

TAMARIZ SÁENZ, M. (2002) “Aprendiendo a ver. Acercamiento al lenguaje artístico y al arte contemporáneo para alumnos de primaria.” Arte, individuo y sociedad, no. 1, págs. 335-346

Videos de modo individual

La presencia constante de la imagen y del arte contemporáneo en la vida cotidiana implica manejar un lenguaje y unos códigos que no siempre se explican y enseñan correctamente. Es por ello por lo que hay maestro que deciden salir a ver museos y exposiciones. Vamos a tratar algunos de los materiales publicados por el gabinete pedagógico del Centro de Arte Reina Sofía.

El Guernica: formado por un cuaderno tamaño folio con la imagen del Guernica, dirigido a alumnado de E.S.O y, por último, se organiza en tres bloques: actividades, previa, del museo y posteriores.

Louise Bourgeois: Los contenidos relatan la vida y procesos creativos del autor. Se centra en que el alumno reflexiones sobre la obra.

Tapies y 7 Tapies: se centra en la última exposición de la obra de Tapies. Explica las obras de diferentes periodos del autor, con texto claro y sintético, con páginas en blanco para ir anotando impresiones.

El maestro debe desarrollar esta metodología en tres fases: sesión previa a la visita, durante la visita y posteriores a la visita.

EVALUACIÓN CRÍTICA

En este artículo nos sugiere la utilización de diferentes cuadernos didácticos elaborados por el gabinete pedagógico del Centro de Arte Reina Sofía que se pueden utilizar para trabar de forma diferente la educación artística. En mi opinión está bien tener unos cuadernos como guía pero sería mejor que el alumnado elaborara sus propios materiales antes de visitar el museo, es decir, trabajar el autor en el aula antes de la visita.

TEMA 10

ARTÍCULO Y AUTOR: Martín Viadel, R. “Didáctica de la Expresión Plática o Educación Artística”.

La Didáctica de la Expresión Plástica es el área de conocimiento cuyo objeto de estudio es la educación artística y estética, es decir, los procesos de enseñanza y de aprendizaje de las Artes, las Culturas y las Comunicaciones Visuales. Trata de cómo hay que enseñar a dibujar a los niños/as en los centros educativos.

Otro término asociado a esta disciplina es la Educación Estética, esta incluye el conjunto de manifestaciones artísticas: música, danza, literatura…y la Educación Artística se centra en las artes visuales. Por otro lado, la Educación Estética se centra en la formación teórica del espectador, mientras que la Artística se centra en la formación práctica del creador.

La finalidad de la Educación Artística es el conocimiento, disfrute y la transformación de los aspectos visuales, constructivos, simbólicos, artísticos y estéticos de la naturaleza y de la cultura, mediante la creación de imágenes. El conocimiento de la Educación Artística tiene una triple dimensión: saber o comprender, gozar o disfrutar y transformar o representar.

Los contenidos del área derivan de cuatro disciplinas que constituyen el saber artístico: el taller o la creación artística, la historia del arte, la estética y la crítica del arte. La Educación Artística como disciplina ha llevado a plantear una metodología al formar parte del currículo escolar. Surge así, la Didáctica de la Expresión Plástica que se trata de un saber interdisciplinar al situarse en la intersección de dos ámbitos: los procesos educativos y el mundo del arte y las imágenes, pero este hecho no quiere decir que carezca de su propia identidad.

En el Sistema Educativo Español fue con la entrada en vigor de la L.O.G.S.E cuando por primera vez se incluye la enseñanza artística. Será un área obligatoria en toda la Primaria, y una materia obligatoria hasta 3º de la E.S.O, ya que en 4º de la E.S.O pasa a ser optativa. Pero en cuanto a la formación del profesorado destacar que no existe una formación específica por diferentes motivos.

EVALUACIÓN CRÍTICA

A lo largo del artículo podemos entender cómo la Educación Artística no se encuentra sólo relacionada con el dibujo, también con cualquier otro tipo de manifestación artística fotografía, escultura, cine, cómic… Por lo tanto, como maestros a la hora de enseñar esta disciplina tendremos en cuenta la variedad de actividades a poder trabajar con el alumnado de Primaria aunque nuestra formación en la materia haya sido escasa debido a las pocas hora de formación universitarias dedicadas a este campo.

FOTOGRAFÍAS DE LAS LÁMINAS

Lámina 6. Figuras Simples.

Láminas 7 y 8. Figuras Complejas.

Con papel de folio, cartulina y de seda he realizado dos láminas. Cada una de ellas representa aspectos de nuestra cultura, por un lado la feria de Sevilla, y por el otro lado, un paisaje típico de la Mancha representado por un molino, y uno de los personajes más célebres de nuestra literatura "El Quijote"