Tema 6: Desarrollo de la capacidad intelectual y creativa

Lowenfield, V. y Lambert, B. Desarrollo de la capacidad intelectual y creativa. Madrid: Síntesis, 2008.

Capítulo 8: La conquista de un concepto de la forma, pp. 289-338

Resumen:

     El momento en el que un niño empieza a realizar esquemas mentales de su entorno más próximo y conocido es a partir de los 7 años aunque es una aproximación, ya que hay niños que empiezan a dibujar esquemas en la fase preesquemática. Estos esquemas de objetos se ven afectados por la forma en la que un niño lo concibe, los sentimientos y emociones que le transmiten, por la función que tiene tal objeto o por el comportamiento que posea.

     Las características de los dibujos esquemáticos para un niño de esta edad hace que el dibujo sea reconocible  sin problemas. Incluirá rasgos diversos, símbolos diferenciados (manos, pies), es importante también resaltar que empiezan a caracterizar la simetría del cuerpo. La perspectiva es de frente, ya que los elementos todavía distan de relacionarse entre sí y mirar de lado o de costado. Es decir, el niño sabe y es consciente de que hay diversos elementos que se relacionan entre sí, pero el esquema espacial es lineal, todos compartiendo una relación espacial común, pero en una línea básica, que es universal y es parte del desarrollo natural de un niño. Ésta indica movimiento o un itinerario de viaje. El niño en esta fase tiene poca conciencia de cómo se representa el aspecto tridimensional del espacio.

     Además de la línea básica que se utiliza para indicar movimiento, también es usada para indicar parte del paisaje, como una base sobre la que descansan otros elementos o cosas, como por ejemplo, la superficie.

Otra característica de esta etapa es que el niño se relaciona de manera activa con el medio que representa en sus dibujos.

     Sin embargo, existen otras maneras de representar espacialmente los objetos, y son las representaciones espaciales subjetivas, y es a través de la técnica del ‘plegado’. Estas experiencias espaciales subjetivas tienen como consecuencia una mezcla de plano y alzado. Muchas veces se ve una parte de egocentrismo en este tipo de obras.

     Las representaciones en rayos X: ésta es una forma de representación en la que el niño muestra tanto el interior como el exterior de una imagen (edificio, por ejemplo), siempre que el interior tenga mayor peso.

     La representación en tiempo y espacio: son secuencias espacio-temporales que son importantes analizar ya que nos puede ayudar a encontrar fuentes de motivación. Su función principal es servir de nexo para contar historias.

     El significado de las variaciones en el esquema es de suma importancia; los niños no son conscientes de ello y muchas veces el origen está en las experiencias autoplásticas, y existen tres formas principales de dicha variación:

1. Exageración de las partes importantes.
2. Descuido u omisión de partes no importantes u ocultas.
3. Cambio de símbolos para partes relevantes.

     Significado del color y el diseño: el niño ahora es más objetivos a la hora de elegir estos dos elementos y en cierta manera, los automatiza y repite tales diseños en posteriores composiciones. Los niños eligen sus propias composiciones cromáticas, muchas veces afectado por su concepción visual o emocional del color.

     El desarrollo del niño en la escuela primaria: el niño procura encontrar un orden en el medio ambiente y desarrollar fórmulas para una conducta adecuada (Piaget, 1959); va cambiando su actitud egocéntrica y esto se nota también en su desarrollo integral, ya que empieza a compartir los sentimientos de los demás y aumenta su capacidad para compartir.

     Los dibujos esquemáticos como reflejo del desarrollo: uno de los indicadores del crecimiento del intelecto infantil es la percepción cada vez mayor del mundo de alrededor. El conocimiento activo del niño revela su concepto del mundo que lo rodea y su interés por ello.

     Motivación artística: es importante además de la motivación en clase, la que se hace de manera individual o un pequeño grupo acerca del tema que se esté viendo. Para ello, es imprescindible que exista un ambiente flexible, abierto al diálogo.

     El tema: en el arte, los niños no están forzados a conformarse con las normas externas impuestas por maestros, padres, sociedad, etc., sino que la experiencia artística es más libre y abierta y ha de ser realmente una expresión del niño.

     Materiales artísticos: deben satisfacer las necesidades expresivas de los niños. El profesor no debe interrumpir la creación del niño, sino que debe presentarle el material apropiado en el momento clave para que el niño lo utilice; además, todo material debe hacer su propia aportación. Por último, el profesor no debe saturar ni abrumar a los alumnos con demasiados materiales.

Valoración crítica y aplicación en el aula:

     Este texto ayuda a entender cómo funcionan los procesos cognitivos en niños de primaria de entre 7 y 9 años. Son muchos elementos que hemos de tener en cuenta a la hora de preparar a los niños para que desarrollen su expresión artística, y los criterios que hemos de seguir para detectar posibles problemas o fuentes de motivación a través de sus dibujos y/o composiciones.

     En mi opinión, tal y como se ha planteado en el documento, hay que dejar libertad a los alumnos para que saquen toda la creatividad que tienen dentro, no abrumarlos con demasiados materiales sino ser en cierto modo una guía que les vamos dando en el momento en el que ellos están más preparados para utilizarlos, y una vez terminadas sus obras de arte, esto nos puede dar muchas pistas ya que cualquier elemento que aparezca en el dibujo, nos da múltiples pistas y es una fuente de riqueza para conocer a los niños y sus procesos mentales y cognitivos.

Tema 5: Lenguaje plástico y visual

Tema 5:
Acaso, M (2006). El lenguaje visual, Barcelona: Paidós
Herramientas del lenguaje visual

Resumen:

Las herramientas del lenguaje visual son básicamente de dos tipos: herramientas de configuración y de organización. A lo largo del texto se desgranan cuáles son sus principales características para conocer el significado que está implícito o que quería expresar el constructor de una imagen. Es importante apuntar que todas estas características poseen un valor connotativo.

En primer lugar, en cuanto a las herramientas de configuración, las más importantes son:

* El tamaño, que tiene un impacto psicológico, el criterio de notoriedad que hace que una imagen se pueda convertir en todo un espectáculo y el criterio de comodidad, que afecta a la ubicación de la imagen ya que no es lo mismo diseñar una para un envase de refrescos que para un cartel publicitario: el tamaño viene predispuesto.

   * La forma: es decir, los límites exteriores del material visual. Estos pueden ser orgánicas (naturales) o artificiales. A su vez, se distingue el término de forma del producto visual como objeto (sus límites físicos), que obliga al autor a elegir entre la orientación horizontal o vertical, lo cual influirá en la adaptación al soporte, el sentido de lectura y el contenido simbólico.

      Otros criterios enmarcados en este contexto son la forma del contenido del producto visual (es decir, el contorno de las imágenes) y la forma del espacio que alberga el producto visual.

*   El color: es una herramienta cargada de información. Existen principalmente dos tipos que nunca coinciden: los colores-pigmento (se trabaja el color como materia y se pueden tocar) y los colores luz (naturaleza intangible, como son los colores de un ordenador). Las características del color son la luminosidad, saturación y temperatura y posee varios criterios de selección de un color u otro, atendiendo a razones simbólicas, comerciales, identificación con la marca y con el público, entre otras.

 * Iluminación: se refiere tanto a la iluminación utilizada en el propio objeto y la utilizada para iluminarlo desde el exterior. Se tiene en cuenta también la orientación de la luz.

* Textura: es la materia de la que está constituida la imagen y su representación visual (es decir, la textura del soporte y la de los materiales que se aplican en tal) y puede ser de tres tipos fundamentalmente: real, simulada (visual) o ficticia.  

* Composición: cómo ordenamos las herramientas del lenguaje visual dentro de un espacio delimitado por el soporte. Aquí, la composición puede ser reposada o dinámica.

                              

     Por otro lado, en cuanto a las herramientas de organización, se destaca el uso de la retórica. Este concepto literario se aplica también a las artes plásticas y visuales, y se refiere fundamentalmente al uso metafórico o retórico de los elementos visuales para contarnos una historia que dista de lo meramente objetivo.

Valoración crítica y aplicación en el aula:

     Esta lectura me ha parecido bastante amena e interesante; he aprendido muchas cosas nuevas de la luz, como sus características, elementos que utilizo en mi día a día como es la temperatura del color, pero que realmente no sabía a qué se refería. Otro aspecto que me ha llamado la atención y que desconocía era que había dos tipos de color: los colores-pigmento y los colores luz, y es gracias a esta explicación tan sencilla y clarificadora cuando entiendo por qué cuando imprimimos un documento a color no sale exactamente como aparece en la pantalla a ordenador.

     Creo que son características que influyen bastante en el mensaje que quieren transmitir, desde la posición de los objetos, cómo están colocados, qué textura tiene, la iluminación que posee, tantos y tantos detalles que realmente pasan desapercibidos pero que influyen notablemente en el público, de manera que también se utilizan para reclamos publicitarios y mensajes subliminares.

     En cuanto la aplicación en el aula, creo que es muy importante que estos conceptos y características se conozcan, se estudien y se usen. Y sobre todo, que seamos capaces de desgranar toda esta información que aparece en cualquier elemento visual y podamos comunicar o intuir muchos detalles de la obra visual. A nuestros alumnos, podemos pedirles que de una imagen extraigan toda esta información, y además, podemos pedirles que atendiendo a características de organización, diseñen imágenes que contengan elementos de la retórica como son la metáfora, elipsis, repetición, personificación, anáfora: esto además les puede ayudar a entender estos mismos conceptos pero aplicados a la literatura, ya que realmente es de esta materia de donde siempre se han descrito fundamentalmente.

FIGURAS DE PAPEL RASGADO

Lámina 6. Figuras Simples.

Láminas 7 y 8. Figuras Complejas. Con papel de folio, cartulina y de seda he realizado dos láminas. Cada una de ellas representa aspectos de nuestra cultura, por un lado la feria de Sevilla, y por el otro lado, un paisaje típico de la Mancha representado por un molino, y uno de los personajes más célebres de nuestra literatura "El Quijote".

Lámina 9. Caras realizadas con figuras geométricas y rotulador.

Lámina 12. Cuadro "Mujer con flor". Picaso

Láminas con papel rasgado

Figuras Simples

A partir de papel de distintos colores, rasgué distintas formas y con un rotulador grueso añadí ideas sobre lo que me sugerían los trozos de papel. Éste es el resultado:

Figuras complejas

Siguiendo con la misma técnica y los mismos papeles, creé dos láminas más. Las figuras creadas aquí son más complejas. La primera lámina representa un paisaje simple.

La segunda está inspirada en las fechas que vienen ya que la hice el mismo día que puse los adornos navideños en casa. Además añadí trozos del papel que estaba usando para envolver unos regalos.

 

Expresiones

Para esta lámina intente rasgar papel con formas redondeadas. Tras pegarlas, añadí con rotulador lo que me sugería cada una.

Versión de un cuadro

Para la versión de un cuadro me inspiré en un gato de Picasso, ya que me gusta mucho el arte abstracto. En esta lámina usé diferentes tipos de papel.

 

Tema 4. Juan Carlos Arañó Gisbert

Revista Pixel- Bit. Número 2. Junio 1994Juan Carlos Arañó Gisbert. Universidad de Sevilla

Resumen:

            El texto pretende definir el concepto de creatividad de las artes plásticas y visuales: no es lo mismo ser artista que creador.

            A lo largo de los siglos y épocas se ha concebido el ‘arte’ desde diferentes perspectivas y puntos de vista. Es dentro de una perspectiva sociológica y antropológica donde se desarrolla el fenómeno cultural, y dentro de este gran sistema entraría a formar parte el arte, enmarcado en un contexto dado y emitiendo mensajes que se comprenden y se esperan.

            Otra idea fundamental del texto es tratar de desentrañar qué se entiende por ‘Educación Artística’: en primer lugar se argumenta la diferente terminología que se utiliza para nombrar a esta materia, porque o se le da la acepción que se refiere a contenidos muy concretos (dibujo, plástica, fotografía, etc.) o bien se expone una definición general, de manera que resulta difícil encontrar una definición para el ‘arte’ ya sea por causas semánticas, estéticas, políticas, sociológicas, entre otras.

            Según Gadamer (1967), la Educación Artística seguirá siendo un ‘adorno’ en nuestro currículum siempre que se le sigan dando criterios de oferta y demanda al arte y la educación en nuestra cultura, ya que lo que al final importa, por lo visto, es el fin técnico y científico.

            Por otro lado, desde siempre se ha cuestionado qué es el arte y éste ha existido en todas las épocas, siendo muy diferentes sus acepciones. Sin embargo, no podemos obviar que una época siempre ha influido en la otra, un período anterior reconstruye al posterior y esto es precisamente lo que busca el concepto de educación.

            El término de ‘creatividad’ en el arte es relativamente reciente, ya que anteriormente se suponía la existencia de leyes a la hora de hacer arte, el dominio para aplicar normas y leyes: ser artista era sinónimo de imitar a perfectamente la naturaleza. Fue en el siglo XVI cuando se empezó a entender el ‘genio’ (creador clásico) como el término que se relacionaba más con la palabra creatividad. En el siglo XX se empezó a conceptualizar la idea de que la creatividad es posible en todos los campos de la producción humana (ciencias, política, tecnología, etc.)

            Por último, se resumen las características que, a tenor del autor, debe tener el concepto de creatividad:

-          Supone una novedad, la cual no está sujeta a gradación, sino que es subjetiva.

-          Esta novedad tiene diferentes orígenes personales.

-          La creatividad de una obra posee varios efectos: teóricos y prácticos.

-          No es un concepto con el que se pueda operar con precisión.

-          Su concepción es ambigua pero necesaria.

Valoración crítica y aplicación en el aula:

     Partimos de la base de que es muy difícil, desde todos los tiempos, encontrar una definición apropiada y universal para el concepto de ‘creatividad’, pero parece que hay clara una afirmación, y es que ‘no todo lo novedoso tiene por qué ser creativo’, y sí ha de cumplirse la regla viceversa.Pensamos que el artista ha de ser creativo, porque sea original, o porque imite perfectamente la realidad existente: son dos principios totalmente contradictorios.

     La creatividad puede darse porque el hombre invente una nueva realidad, o construya una nueva realidad teniendo en cuenta sus experiencias previas, sus conocimientos, su percepción, etc. Este concepto, como se ha visto, y toda su literatura, destaca su ambigüedad, pero éste es necesario para el arte y para aplicarlo dentro de nuestras  aulas e insertarlo dentro de un contexto educativo.

     Además de las concepciones formales, definiciones, teorías, metodologías, el alumno debe sentirse libre para poder expresarse y no tener barreras a la hora de ser creativo. Se podrían proponer ejercicios en el aula y fuera de ella donde el alumno asumiera su condición de ‘artista’, por el mero hecho de existir y empezar a crear, todas las obras que crearan los alumnos tienen validez absoluta, ya que no existe un concepto ni objetivo ni limítrofe para definir lo que es arte o no es: hay que tener en cuenta las etapas que puedan influir en los conocimientos de nuestros futuros alumnos, porque son estas estructuras previas las que van a condicionar que se les eduque con mayor o menor calidad en materia artística.

Láminas con papel rasgado

Ejercicio 5: Ejercicios con papel rasgado  

   Figuras simples 

     Con ayuda de rotuladores de punta gruesa y papeles de diversos colores mi intención ha sido recrear un paisaje compuesto de sol, nubes, lloviznas, hierba, flores y bancos hechos a partir de figuras simples ovaladas, triangulares, rectangulares  y cuadradas.

  Figuras más complejas

      A partir de figuras simples he realizado dos láminas más complejas, sin utilizar el rotulador  y exentas de fondo en las que he querido reflejado la cultura oriental mediante una geisha, y la cultura popular de nuestro país representando un nacimiento navideño.

Expresiones

  Por medio de frutas y con ayuda de rotuladores he reflejado diversas expresiones de ánimo: tristeza,  desconcierto, alegría, amor, enfado,etc.

Versión de un cuadro

  Versión del cuadro de Wassily Kandinsky, Óvalo rojo (1920). Kandisnsky fue un pintor ruso considerado por muchos como el maestro de la abstracción  absoluta. La intención del autor es que el espectador centre su atención en el óvalo rojo.

Tema 3: Percepción, expresión y comunicación

Tema 3: Percepción, expresión y comunicación

 

BERGER, J. (2010) Modos de ver. Gustavo Gil, Barcelona. 

CAPÍTULO 1.

Resumen:

     Partiendo de que todo lo visible es el conglomerado de imágenes que se crean en el ojo al mirar y/o contemplar, el humano debe desenmarañar el significado de esa imagen que se crea. Aquí entra en juego la subjetividad con la que miramos una obra de arte, cuyo significado se verá afectado por lo que creemos o sabemos a priori de ese tema.

     Desde muy pequeños, vemos antes que hablamos, pero no nos damos cuenta de que no miramos a algo en concreto, y miramos las cosas y la relación de esas cosas y nosotros mismos. La naturaleza es recíproca.

Por otro lado, el concepto de la perspectiva entra en juego, y con el invento y uso de la cámara fotográfica, se organiza el campo visual demostraba que el espectador no era el centro único del mundo, como ocurría con la pintura o el dibujo. Sin embargo, este cambio de concepción influyó en estos dos. La cámara hace que ya esa pintura, esa imagen se pueda transportar (en el tiempo y en el espacio) y que tenga múltiples y diferentes significaciones: la imagen adquiere un nuevo estatus.

     Uno de los inconvenientes de esto es que puede hacer perder su autenticidad, por lo que se debe estudiar en profundidad para concretar si esa obra es auténtica o no y despejar dudas de si es una réplica también.

Valoración crítica y aplicación en el aula:

     El texto me ha hecho plantearme el tema de la perspectiva cuando miramos y queremos analizar un cuadro; no es sólo un cuadro con unas dimensiones, que tiene unos colores o personajes, sino que ese autor quizá ha plasmado sus pensamientos, ideas, modo de ver o de sentir y nos está trasladando esos matices a través de ese lenguaje pictórico y sensorial.

     Otras veces depende también de la experiencia previa o ideas anticipadas que uno tenga del tema en cuestión, y por supuesto, según he podido comprobar en el texto, no es lo mismo ver una imagen de un cuadro (fotografiada) que ver el original expuesto en un museo; esto nunca me lo había planteado.

Además, en el mundo del arte, no hay un solo camino ni perspectiva, ámbito ni lugar exclusivo, como se ha citado en el texto, el arte empezó dentro de una cueva…

     Con respecto a la aplicación en el aula, podemos realizar una actividad que consiste en pedir a los alumnos que cierren los ojos o vendárselos, para que vayan recorriendo el aula tocando objetos y se centren en sus propiedades, se imaginen su color, su olor, textura, su forma, imaginen y expliquen para qué se puede usar.

    Asimismo, podemos elaborar una lista individual de lo que nos ‘dice’ una obra de arte en concreto y posteriormente, hacer un debate para argumentar o exponer nuestro punto de vista (a cada alumno le inspirará cosas diferentes, en ocasiones, opuestas a otros alumnos).

Láminas con la técnica de papel rasgado

Lámina 1: Figuras simples

     Utilizando folios de colores y rotuladores, se ha rasgado el papel construyendo círculos, cuadrados, rectángulos y figuras irregulares para construir una imagen de manera muy simple. Después, se han pintado bien adornos, números, rayitas, etc., para que la imagen quede más atractiva. Los motivos de esta primera lámina son un grupo de chicos jugando al fútbol y a una pareja sacando a su perrito a pasear.

Láminas 2 y 3: Figuras más complejas

  

     Las dos siguientes láminas se han realizado de manera un poco más compleja con figuras más elaboradas. No se ha utilizado fondo, sino que son las imágenes las que conforman la lámina. La técnica ha sido la misma que para la lámina anterior pero de manera más compleja.

     El tema elegido, como se puede comprobar a continuación, es un partido de voley-playa y chicos en una discoteca tomándose algo.

La primera:

Y la segunda:

Lámina 4: Expresiones

     La temática de esta nueva lámina es la creación de diferentes expresiones usando la misma técnica de papel rasgado y con la ayuda de rotuladores. Las expresiones que aparecen en los muñequitos son tristeza, alegría, enojado, preocupación, indiferencia, entre otras.

Lámina 5: Versión de un cuadro famoso

     La reproducción de un cuadro famoso y conocido ha sido para mí la lámina más complicada, por la multitud de detalles que exige y la exactitud que precisa. He elegido 'La última cena' de Leonardo da Vinci. A continuación se expone una imagen original y mi reproducción. ¡Espero que os guste!

Y ahora...

María Ángeles Pérez Sola